www.msk-guide.ru - достопримечательности Москвы


Содержание

Режим работы и цена билетов, как добраться и официальный сайт Третьяковской галереи


Айвазовский И.К. «Радуга»


Айвазовский И.К «Чёрное море» («На Чёрном море начинает разыгрываться буря»)


Айвазовский И.К «Дорога на Ай-Петри»


Айвазовский И.К «У берегов Кавказа»


Шишкин И.И. «Утро в сосновом лесу» («Три медведя»)


Шишкин И.И. «Рожь»


Шишкин И.И. «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии»


Васнецов В.М. «Алёнушка»


Васнецов В.М. «Богатыри» («Три богатыря»)


Васнецов В.М. «Иван царевич на сером волке»


Васнецов В.М. «Царь Иван Васильевич Грозный»


Васнецов В.М. «После побоища Игоря Святославича с половцами»


Суриков В.И. «Боярыня Морозова»


Суриков В.И. «Утро стрелецкой казни»


Репин И.Е. «Царевна Софья Алексеевна через год после заключения её в Новодевичьем монастыре»


Пукирев В.В. «Неравный брак»


Флавицкий К.Д. «Княжна Тараканова»


Перов В.Г. «Тройка» («Ученики мастеровые везут воду»)


Перов В.Г. «Охотники на привале»


Перов В.Г. «Портрет Ф.М. Достоевского»


Перов В.Г. «Сельский крестный ход на Пасхе»


Перов В.Г. «Никита Пустосвят. Спор о вере»


Саврасов А.К. «Грачи прилетели»


Васильев Ф.А. «В крымских горах»


Крамской И.Н. «Лунная ночь»


Крамской И.Н. «Русалки»


Крамской И.Н. «Неизвестная»


Маковский К.Е. «Дети, бегущие от грозы»


Маковский В.Е. «На бульваре»


Куинджи А.И. «После дождя»


Аргунов И.П. «Портрет неизвестной в русском костюме»


Антропов А.П. «Портрет Петра III»


Рокотов Ф.С. «Портрет Екатерины II»


Матвеев Ф.М. «Вид Рима. Колизей»


Алексеев Ф.Я. «Красная площадь в Москве»


Соколов Т. «Мальчик будит перышком сидящего товарища»


Боровиковский В.Л. «Портрет М.И. Лопухиной»


Кипренский О.А. «Портрет А.С. Пушкина»


Ставассер П.А. «Сатир и нимфа»


Щедрин С.Ф. «Большая гавань на острове Капри»


Брюллов К. П. «Всадница»


Иванов А.А. «Явление Христа народу»


Тропинин В.А. «Кружевница»


Тропинин В.А. «Портрет сына художника»


Венецианов А.Г. «На пашне. Весна»


Федотов П.А. «Сватовство Майора»


Федотов П.А. «Свежий кавалер»


Сорокин Е.С. «Развал»


Врубель М.А. «Демон сидящий»


Поленов В.Д. «Московский дворик»


Киселёв А.А. «Старый Сурамский перевал»


Левитан И.И. «Над вечным покоем»


Левитан И.И. «После дождя. Плёс»


Левитан И.И. «Вечерний звон»


Серов В.А. «Девочка с персиками»


Коровин К.А. «Северная идиллия»


Кустодиев Б.М. «Масленица»


Рерих Н.К. «Заморские гости»


Фото Третьяковской галереи




Режим работы и цена билетов, как добраться и официальный сайт Третьяковской галереи

www.msk-guide.ru
/page_10207.htm

Режим работы Третьяковской галереи в 2018 г.

  • вторник, среда и воскресенье 10:00 - 18:00;
  • четверг, пятница и суббота 10:00 - 21:00;
  • понедельник – выходной;
  • кассы закрываются на час раньше.

 

Как добраться до Третьяковской галереи

Адрес: Лаврушинский переулок, д.10.

Метро «Третьяковская» или «Полянка» Калининской линии. Можно также доехать до станций метро «Новокузнецкая», «Октябрьская» Калужско-Рижской линии и «Октябрьской» Кольцевой линии.

 

Цена билетов в Третьяковскую галерею в 2018 г.

  • Взрослые - 500 руб.;
  • Студенты РФ - 250 руб.;
  • Пенсионеры РФ и СНГ - 250 руб.;
  • Дети до 18 лет - бесплатно.
  • Чтобы посещение было интересным и познавательным, рекомендуем воспользоваться бесплатным путеводителем по Третьяковской галерее от нашего сайта. Его можно распечатать или сохранить на смартфоне.
  • В музее вы можете взять в аренду официальный аудиогид на русском языке за 350 рублей или на английском, немецком, французском, итальянском, испанском или китайском языке за 500 руб. Для аренды аудиогида требуется залог в размере 2000 рублей или любой документ, удостоверяющий личность, кроме паспорта.
  • Первое и второе воскресенье месяца - день бесплатного посещения для студентов РФ.

 

Телефон Третьяковской галереи

+7 (495) 957-07-27.

 

Официальный сайт Третьяковской галереи

www.tretyakovgallery.ru



Айвазовский И.К. «Радуга»

www.msk-guide.ru
/page_21376.htm


еще фотографии →



Зал 19

Среди работ Ивана Айвазовского, изображающих бурю и кораблекрушение, картина «Радуга» отличается жизнеутверждающим настроением и надеждой на спасение.

Буря, тонущий корабль и моряки в лодке, изо всех сил пытающиеся спастись. Они экономят свои силы и гребут по очереди, а рулевой выбирает безопасный путь. Почти всё на картине окутано туманом – море сливается с горизонтом и тонущий корабль едва виден, он словно в дымке. Только лодка с моряками изображена четко.

Художник использует свои любимые цвета красок – розовый и фиолетовый, голубой и лиловый, серый и зеленый, но самые светлые их тона. И мы видим, что лучи солнца пробиваются сквозь тучи и ложатся прозрачной радугой на волны. Чуть заметная, мерцающая, как мираж, радуга предвещает конец шторма и победу над бурей.

Картина Ивана Айвазовского «Радуга» символизируют победу человека над смертью и несмотря на общее мрачное и даже пугающее настроение, вселяет надежду на спасение. Картина смотрится легкой и прозрачной, оставляя светлое чувство у зрителя.



Айвазовский И.К «Чёрное море» («На Чёрном море начинает разыгрываться буря»)

www.msk-guide.ru
/page_21377.htm


еще фотографии →



Зал 19

На картине «Черное море» Иван Айвазовский изобразил две свои любимые стихии – воду и небо. На первый взгляд сюжет выглядит достаточно просто. Вместе с тем, внимательно присмотревшись, Вы увидите, что известному маринисту мастерски удалось показать прозрачность воздуха в предчувствии бури и характер Черного моря. Ласковое в штиль оно превращается в ревущего дикого зверя в штормовую погоду.

Именно такой момент запечатлел талантливый мастер. Море изображено как живой организм - вы чувствуете неспокойное состояние воды, волны вырываются из пенной свинцовой бездны и ищут себе подобных. Скоро они объединяться и взметнутся ввысь, стараясь прикоснуться к тяжелым грозовым облакам. На горизонте небольшим взмахом кисти художник изобразил корабль. Сумеют ли моряки добраться до берега и избежать крушения?

Заметим, что волны движутся от горизонта в сторону зрителей, а вдали - светлая полоска и белые облака. Видимо, там и находится спасительный берег, куда устремляется этот маленький кораблик.

Художник искусно изобразил две природные стихии – воздух и море и как бы уравновесил их, разделив пополам линией горизонта. Эта светлая полоса и есть надежда на спасение и вера человека противостоять морской силе.

Картина Ивана Айвазовского «Черное море» имеет размеры 208 на 149 см. Художник дал полотну второе название - «На Черном море начинает разыгрываться буря». Действительно, мы видим, как притаившиеся, пока еще не полную силу разыгравшиеся волны скоро сольются в сокрушительную мощь.



Айвазовский И.К «Дорога на Ай-Петри»

www.msk-guide.ru
/page_21378.htm


еще фотографии →



Зал 19

На картине «Дорога на Ай-Петри» Иван Айвазовский изобразил не только любимые им море и небо. Значительную часть полотна занимают величественные горы, местами покрытые деревьями и кустами. Среди горных склонов мы видим совсем небольшую повозку, преодолевающую нелегкий путь по горам.

Где-то высоко в небе светит солнце, отражаясь в море. Линия горизонта едва видна – небо как бы перетекает в море и только по светлым облакам можно его распознать. Вдали расположенные горы едва различимы на фоне морской глади.

Видны очертания Ялтинской бухты и лишь слегка заметен силуэт Медведь-горы. Справа – поросшая лесом гора Могаби (в переводе с татарского – Кучерявая).

Картина «Дорога на Ай-Петри» написана Иваном Айвазовским в 1894 году, когда художнику было 77 лет. Именно в этот год завершилось строительство дороги Ялта - Ай-Петри - Бахчисарай. Работы велись русскими военно-сапёрными батальонами в необычайно тяжелых условиях в течение 30 лет. Часто наклон склонов достигал 60–80°, случались оползни, тропы и горы заносило снегом. Построенная более 100 лет назад дорога на Ай-Петри и сейчас служит людям.



Айвазовский И.К «У берегов Кавказа»

www.msk-guide.ru
/page_21379.htm


еще фотографии →



Зал 19

Иван Константинович Айвазовский - один из самых любимых в России живописцев. Вот уже более 100 лет он является непревзойденным маринистом. Художник потрясающе реалистично изображает бушующее море. Многие его картины наполнены драматизмом и показывают красоту, мощь и величие природы. Для большинства россиян море - незнакомая, загадочная и в чем-то мистическая стихия, которая вызывает массу впечатлений, поскольку далеко не все живут рядом с ним и могут видеть его красоту.

Иван Айвазовский с умением передает настроение двух любимых своих стихий – неба и моря. Художник никогда не писал морские пейзажи с натуры, а нарисовать картину он мог и за час, и за несколько минут.  Айвазовский был гением, но кроме огромного таланта, он блестяще владел кистью и обладал секретом составления красок. Главный секрет его творчества в том, что он родился у моря, всю жизнь жил рядом с ним и любил его больше всего на свете.

Картина «У берегов Кавказа» была написана Иваном Айвазовским в 1885 году. Ее первое представление прошло на выставке, посвященной 200-летию художника, открывшейся 29 июля 2017 года в День рождения живописца.

Полвека картина находилась в запасниках Третьяковки и не выставлялась. Она была покрыта темным лаком, ее было трудно фотографировать и поэтому никогда не включалась ни в одну экспозицию. Благодаря труду реставраторов картина «У берегов Кавказа» предстала на всеобщее обозрение.

Ночь. Попавший в шторм парусник уже не в силах противостоять стихии. Волны рвутся вверх, к тучам, соединяясь с таким же непокорным и бурным, как они сами, небом. Море разбушевалось так, что вода хлынула через борт судна и гибель его неизбежна.

Луна освещает полоску моря и мы видим шлюпку с людьми, пытающимися спастись. Ветер и разъяренные волны несут их к черным скалам, почти сливающимися с черным грозовым небом и морем. Справятся ли они?

Сюжет картины Ивана Айвазовского «У берегов Кавказа» трагичен и нам кажется, что кораблекрушение неизбежно. Но пробившийся сквозь черные тучи лунный свет вселяет надежду на конец бури и спасение моряков.



Шишкин И.И. «Утро в сосновом лесу» («Три медведя»)

www.msk-guide.ru
/page_21392.htm


еще фотографии →



Зал 25

Картина «Утро в сосновом лесу» знакома всем россиянам. Ее автор, известный пейзажист Иван Шишкин любил русскую природу и посвятил ей множество своих работ. Но мало кто знает, что картина «Утро в сосновом лесу» создана им в соавторстве с Константином Савицким. Иван Шишкин нарисовал утренний лес, а медведей нарисовал его друг, художник Савицкий.

Картина была впервые представлена на XVII Передвижной выставке 1889 года и на ней стояли подписи обоих художников. Сразу после показа полотно приобрел Павел Третьяков. Он посчитал, что замысел картины и манера исполнения принадлежат только Шишкину, поэтому и стер подпись Савицкого. Вместе с тем, в каталоге Третьяковской галереи имеется пометка, что медведи дорисованы К.А. Савицким.

Интересно, что картину Третьяков приобрел за огромную по тем временам сумму - 4000 рублей. Иван Шишкин предложил Савицкому его долю «за мишек» - 1000 рублей, но тот сильно оскорбился, считая, что именно медведи – это самое главное на полотне, а утренний лес – лишь фон для них. Теперь уже обиделся Шишкин. Действительно, утренний лес изображен так мастерски, что кажется, будто, мы сами находимся в лесной чаще.

Чувствуется приближение утра, солнце уже просвечивает сквозь кроны деревьев и робко заглядывает в один из его уголков. Нам приоткрылась тайна леса и мы наблюдаем, как под присмотром строгой мамы, играя, познают жизнь медвежата.

Вместе с тем, картину Ивана Шишкина «Утро в сосновом лесу» многие называют «Три медведя». А всё потому, что с детства этих медведей мы видим на обертках конфет, и любимая картина ассоциируется с названием известной русской сказкой «Три медведя».



Шишкин И.И. «Рожь»

www.msk-guide.ru
/page_21393.htm


еще фотографии →



Зал 25

Полотно Ивана Шишкина «Рожь» написано в 1878 году после поездки художника на родину, в город Елабугу. Представленная на VI выставке передвижников картина сразу завоевала популярность зрителей. И в наше время созданный Шишкиным пейзаж понятен и дорог каждому жителю России.

Картина «Рожь» является одним из шедевров русской пейзажной живописи.

Бескрайние просторы русской земли и спелая рожь, извилистая дорога, местами заросшая травой и сосны, словно былинные великаны застыли над полем. Два цвета – голубой и золотой в русском изобразительном искусстве часто применялись при написании икон. Используя эти цвета, Шишкин отождествляет русскую природу с природой божественной.

Насыщенные цвета сосен и созревшей ржи подчеркивают величие пейзажа. И даже ласточки, летящие над дорогой, не нарушают ощущения грандиозности русских просторов. Природа, словно замерла перед сменой погоды. Вдали виднеются облака и, скорее всего, они принесут дождь, а вместе с ним обновление, прохладу и свежесть.

Картина «Рожь» - одна из самых удачных работ Ивана Шишкина. Художник так мастерски воспевает природу и восторгается ей, что мы уже чувствуем зной летнего дня, слышим щебет ласточек, жужжание пчел и шелест колосьев.



Шишкин И.И. «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии»

www.msk-guide.ru
/page_21394.htm


еще фотографии →



Зал 25

Лето 1871 года Иван Шишкин провел в Вятской губернии, на своей родине, в городе Елабуга. Наброски, выполненные в этот период, стали материалом для создания замечательного полотна «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии». Только человек, горячо любящий родину и русскую природу, мог написать такой сказочный и вместе с тем реалистичный пейзаж.

Многие картины Ивана Шишкина напоминают иллюстрацию к русской народной сказке или былине и в то же время в них ничто не приукрашено - они достоверны и правдивы.

Летний полдень, сосновый лес и небольшой ручей. Солнце осветило макушки деревьев и проникло на опушку леса, играя бликами в воде и на траве. Вода в ручье такая прозрачная, что виден каждый камешек на его дне. Солнце прогрело не только песчаный берег, но и воду до самого дна.

Под одной из сосен художник с любовью и не без доли тонкого юмора нарисовал двух медвежат, выбравшихся на солнечную полянку и желающих найти, чем им можно полакомиться. Кажется, ничто не нарушит это спокойствие и тишину. Но взгляд привлекает парящий в небе коршун, высматривающий добычу, а голубой цвет неба плавно переходит в пасмурные, грязно-фиолетовые тона.

Вместе с тем, большую часть полотна занимают огромные сосны, поглощающие своей величиной всё, что мельче или ниже. Художник показывает зрителю особенности русского пейзажа – его мощь и величие, стремлением к высоте и простору.

Картина «Сосновый бор. мачтовый лес в Вятской губернии» - одно из самых светлых произведений Ивана Шишкина. На полотне нет ничего случайного и это не просто мастерски выполненное изображение соснового леса, а необыкновенный «природный спектакль».



Васнецов В.М. «Алёнушка»

www.msk-guide.ru
/page_21397.htm


еще фотографии →



Зал 26

Виктор Васнецов является создателем большого числа иллюстраций к былинам и сказкам. В 1881 году художник написал картину «Алёнушка» с изображением прекрасной девушки, образ которой навеян русской народной сказкой «Сестрица Алёнушка и братец Иванушка».

Картина не является в полном смысле иллюстрацией к этой сказке, более того, у Алёнушки имеется реальный прототип – девушка, которую Виктор Васнецов встретил случайно во время своего пребывания в селе Ахтарка, где снимали дачи многие художники. По другой версии, в чертах лица Алёнушки можно угадать сходство с дочерью Саввы Мамонтова Верой, которая позировала Валентину Серову для картины «Девочки с персиками».

Село Ахтарка находится рядом с имением Абрамцево, принадлежавшим Савве Ивановичу Мамонтову, который был не только богатым промышленником, но также художественным и театральным деятелем. В этом прекрасном месте часто собирались писатели и художники.

Пейзаж был написан тоже в селе Ахтарка и именно Ахтырский пруд запечатлен на полотне «Алёнушка».

Девушка на картине Васнецова печальна, в ее глазах – не просто грусть, а отчаяние и безнадежность. Символично, что первоначально картина называлась «Дурочка-Алёнушка» (в то время слово «дурочка» означало «сирота»). Возможно, именно личной трагедией и объяснялись тоска и одиночество в глазах героини.

Пейзаж картины наполнен тишиной и спокойствием – замер густой хвойный лес, неподвижна и гладь пруда. В образе девушки нет ничего фантастического и лишь несколько ласточек, сидящих на ветках над головой Алёнушки, символизируют надежду и счастливый финал.

Возвращаясь к сказке, мы уверены, что Алёнушка, умеющая любить и заботиться, быть кроткой и терпеливой, обязательно найдет своего братца Иванушку.

Картина «Алёнушка» - любимое произведение Виктора Васнецова и самая известная его работа. Вместе с тем, известно, что картина, представленная на первой выставке, была раскритикована коллегами. Рентгеновские снимки показали, что автором была изменена цветовая гамма полотна, а также скорректированы плечо, шея и лицо девушки. Павел Третьяков не проявил интереса к картине и первоначально полотно было приобретено Саввой Мамонтовым.



Васнецов В.М. «Богатыри» («Три богатыря»)

www.msk-guide.ru
/page_21398.htm


еще фотографии →



Зал 26

Картину «Богатыри» Виктор Васнецов создавал 23 года. Она была завершена весной в 1898 году и вскоре приобретена Павлом Третьяковым. На полотне размером 295,3 на 446 см почти в натуральную величину изображены три русских богатыря Илья Муромец (в центре), Добрыня Никитич (слева) и Алёша Попович (справа). Главная идея этого масштабного полотна – показать духовную мощь былинных героев, защитников Руси, ставших олицетворением силы русской земли. Выехав в поле, три богатыря внимательно всматриваются вдаль – не спрятался ли где-нибудь враг, не обижают ли слабого?

  • Самый сильный из них - Илья Муромец. Он даже не чувствует веса тяжелой палицы на его правой руке. Сила героя прекрасно сочетается с его доброй душой и открытым сердцем. Илья Муромец – это не выдуманный персонаж, записи о его подвигах встречаются в былинах XVII века. Позже он стал иноком Киево-Печерской лавры. Некоторые ученые отождествляют его со святым Илиёй Печерским Чеботком, мощи которого покоятся в этом монастыре
  • Справа от него – Добрыня Никитич, мудрый и образованный воин. Меч наполовину уже вынут из ножен и воин готов к бою. Присмотритесь и вы заметите сходство былинного героя с внешностью художника Василия Васнецова
  • Справа – самый молодой богатырь, храбрый Алёша Попович, прототипом которого стал сын Саввы Мамонтова Андрей, умерший от простуды на 22-м году жизни.

Шлемы былинных героев, словно маковки русских церквей, символизируют благое дело - защиту родины. Художник мастерски передал мужество, а также внутреннюю и внешнюю красоту русского народа.

Маленькие ёлочки и сосенки перед героями олицетворяют преемственность поколений, связь героического прошлого с великим будущим русской земли.

Работа над картиной «Богатыри» радовала и воодушевляла Василия Васнецова. Живописное полотно стало выражением его героических идеалов и беззаветной любви к родине.



Васнецов В.М. «Иван царевич на сером волке»

www.msk-guide.ru
/page_21400.htm


еще фотографии →



Зал 26

В мастерстве написания фольклорных работ Виктору Васнецову не было равных. Его полотно «Иван царевич на сером волке» создано по одному из сюжетов известной сказки Василия Жуковского.

В сказке рассказывается, как царевичи, братья Клим, Петр и Иван отправились на поиски жар-птицы, которая воровала из царского сада золотые яблоки. Два старших брата возвратились ни с чем, а младший Иван обрел друга – Серого волка и с его помощью привез не только жар-птицу, но и невесту – Елену прекрасную. В награду получил Иван от царя полцарства.

В сказке говорится о долгих приключениях царевича, как он проехал тридевять земель, познакомился с бабой Ягой, сразился с двенадцатиголовым змеем и победил Кощея Бессмертного.

Иван и Елена полюбили друг друга, сыграли свадьбу, на которую приехал и Серый волк. Жили они долго и счастливо, было у них много детей. А Серый волк жил с ними, учил детей «читать, писать и арифметике, и им давал полезные для сердца наставления».

Василий Васнецов изобразил, как сквозь лесные заросли «быстрее всякой птицы» мчится сказочный волк, на огромной спине которого -  царевич и Прекрасная Елена. Взгляд Ивана тревожен, он беспокоится, сумеют ли они скрыться от погони.

Напротив, Елена Прекрасная спокойна, она напугана волком и случившимся, не смотрит на темный лес и полностью доверила свою жизнь царевичу. Посмотрите внимательно на волка, у него человеческие глаза, это волк-оборотень, но в нём нет ничего дикого, страшного, он – друг и готов не только на помощь, но и на самопожертвование.

В цветах одежды героев преобладают голубой и золотой оттенки, чаще всего используемые в изображении чудес и божественных явлений. Красивая яркая одежда героев противопоставляется темному лесу, а ветка цветущей яблони – это символ надежды и благоприятного финала.

Картина Виктора Васнецова «Иван царевич на сером волке» - словно ожившая сказка, наполнена чудом и волшебством. Мы верим, что героев сказки, несомненно, ждет счастливое будущее. Но кроме восхищения картиной, полотно художника наводит нас на мысли о дружбе и смелости, темных силах и предательстве, о победе добра над злом.



Васнецов В.М. «Царь Иван Васильевич Грозный»

www.msk-guide.ru
/page_21401.htm


еще фотографии →



Зал 26

Картина Виктора Васнецова «Царь Иван Васильевич Грозный» - это единственный исторический портрет, написанный художником.

Идея создания изображения первого царя всея Руси пришла к Васнецову после его переезда из Петербурга в Москву в 1878 году. Он восторгался памятниками старинного русского зодчества, в частности храмом Василия Блаженного, созданным при Иване Грозном. Гуляя по Москве, он всюду видел образ правителя. Эти впечатления и легли в основу композиции картины, а древнерусская архитектура стала фоном его полотна.

На портрете мы видим сильную личность, соответствующую как историческим документам, так и поэтическим преданиям о грозном, но мудром царе. Васнецов представил Ивана Грозного во весь рост - он величественно спускается по ступенькам узкой лестницы и мы смотрим на него как бы снизу вверх, что придает личности персонажа особую значимость и величие.

Золотой цвет шубы подчеркивает исключительность правителя и его близость к миру небесному. На крепких руках - узорчатые рукавицы. Красные бархатные сапоги унизаны жемчугом.

В правой руке царя – чётки, символ веры православного царя, а в левой -  посох, и это не просто символ власти, а настоящее оружие. Но самое главное в портрете – лицо. Художник сумел передать всю многогранность характера самодержца – мы видим одновременно умного и коварного, злого и мудрого, одинокого и величественного правителя. Перед нами натура страстная, жестокая и противоречивая.

На следующей ступеньке - изображение герба державы и правитель сейчас наступит на него, что символично. Кровавой ценой ему, действительно, удалось изменить устройство Руси и систему управления страной.

Картина Васнецова «Царь Иван Васильевич Грозный» завершена в 1897 году, то есть от идеи до воплощения прошло почти 20 лет. Художник считал работу удавшейся и представил ее на юбилейной XXV выставке картин Товарищества передвижников.



Васнецов В.М. «После побоища Игоря Святославича с половцами»

www.msk-guide.ru
/page_21399.htm


еще фотографии →



Зал 26

Сюжет картины «После побоища Игоря Святославича с половцами» взят из древнерусского произведения «Слово о полку Игореве». Поэма о неудачном походе русских воинов на половцев волновала многих художников и композиторов того времени. Вместе с тем, Виктор Васнецов очень остро воспринимал события второй половины XIX века, в частности русско-турецкие войны.

Благодаря героизму русских воинов русско-турецкая кампания 1877-1878 года закончилась победой России. Картина Васнецова «После побоища Игоря Святославича с половцами» стала своеобразным откликом на завершившуюся войну. Но если работы художника Василия Верещагина на военную тему всегда правдивы и напоминают документальные произведения, то картина Виктора Васнецова наполнено эпосом. Она вызывает преклонение перед подвигом героев, отдавших жизнь за родину.

Вечер в степи, природа полна жизни: мы видим россыпь полевых цветов и высокую траву. Но вся красота природы противопоставлена сюжету полотна с мертвыми телами.

В небо, словно отражение кровавой битвы, поднимается розовая луна. Перед нами – поле с множеством погибших воинов. Здесь и русские и половцы, опытные бойцы и совсем молодые. Смерть разрешила конфликт и уравняла всех. Воины лежат, как живые, они словно спят в нарядной, неокровавленной и не поврежденной в бою одежде. Над мертвыми кружатся зловещие коршуны.

Автор изобразил это событие таким, каким оно продолжало жить в былинах и сказаниях, в сердцах потомков, а вовсе не таким, каким оно было в действительности.

Коллеги упрекали художника в том, что он не понимает реальные условия боя, что создал вымышленный сюжет. Вместе с тем, многие из них отметили удачное воспроизведение героизма и национальной красоты в созданных им образах.

Картина Виктора Васнецова «После побоища Игоря Святославича с половцами» воспевая благородство, патриотизм и самопожертвование, вдохновляла русских воинов на ратный подвиг.



Суриков В.И. «Боярыня Морозова»

www.msk-guide.ru
/page_21402.htm


еще фотографии →



Зал 28

Картина «Боярыня Морозова» - самая известная работа Василия Сурикова. Масштабное полотно (его размеры составляют 306 на 587 см) было создано в 1887 году, а темой работы стал церковный раскол XVII века.

Церковные реформы, проводимые Патриархом Никоном, одобренные царем Алексеем Михайловичем, вызвали протест значительной части общества. Изменения вносились в церковные книги и правила богослужения. Так, креститься необходимо было тремя пальцами вместо двух, земные поклоны заменялись на поясные, вводились и другие новшества. Церковь вела непримиримую борьбу с теми, кто выступал против новых уставов. Протестующих называли раскольниками и жестоко наказывали.

В центре картины изображена боярыня Феодосия Прокопиевна Морозова, которая не собиралась отрекаться от старых правил и убеждений. На полотне Василия Сурикова мы видим, как боярыню Морозову, закованную в цепи, везут в крестьянских санях в заключение. Одетая в строгое чёрное платье она вскинула вверх правую руку, ее пальцы сложены в двуперстие (знамение старообрядчества). Фигура Феодосии, словно черный треугольник, разделяет народ на две части: справа - взволнованные и сочувствующие, а слева - равнодушные и глумящиеся над ней.

Первоначально автор написал разноликую толпу, выделяющуюся очень яркими личностями. Посмотрите на юродивого, сидящего на снегу. Художник нашел натурщика на рынке, он продавал там огурцы и согласился позировать на снегу в одной холщовой рубахе. Чтобы он не замерз, Васнецов растирал его озябшие ноги водкой, а за работу наградил тремя рублями. Для крестьянина это были огромные деньги.

Три боярыни придерживаются старой веры и явно сочувствуют главной героине. На голове одной из них платок золотистого цвета, он загнулся, что говорит о поклоне до самой земли в знак почтения Феодосии.

Долго не мог найти живописец типаж для главной героини, не теряющийся среди разноликой толпы. Когда же наконец он увидел старообрядку, некую Анастасию Михайловну, приехавшую с Урала, этюд был написан за два часа.

Лицо боярыни Морозовой вызывает двоякие чувства - мы видим истощенную и измученную женщину, и в то же время она не сломлена пытками, это сильная духом личность, призывающая народ твердо стоять за старую веру.

Справа изображена родная сестра Феодосии - княгиня Евдокия Урусова, также примкнувшая к раскольникам и разделившая участь своей сестры. Обеих женщин заточили в тюрьму в Боровске и заморили голодом.

Церковный раскол, ставший для России трагедией, привел к гибели тысяч старообрядцев. Картина Василия Сурикова «Боярыня Морозова» - это вершина творчества художника. Историческая правда полотна была столь сильна, что автора обвиняли в поддержке и защите старообрядчества и ему пришлось доказывать, что он не разделяет их взглядов. Вместе с тем, мы видим, что живописец выступает за свободу вероисповедания и против подавления свободы личности.



Суриков В.И. «Утро стрелецкой казни»

www.msk-guide.ru
/page_21403.htm


еще фотографии →



Зал 28

На картине Василия Сурикова «Утро стрелецкой казни» мы видим трагическую сцену казни московских стрельцов осенью 1698 года. Художник работал над полотном в течение трех лет. Это первая масштабная картина Василия Сурикова и одна из самых известных его работ. Размеры холста составляют 218 на 379 см.

Первый Стрелецкий бунт произошел весной 1682 года после смерти царя Федора Алексеевича. Царь не имел детей, и на трон претендовали его малолетние братья Иван и Петр, у которых были разные матери – Мария Милославская и Наталья Нарышкина. Иван был с детства мальчиком болезненным и совершенно не интересовался государственными делами, а Петру в то время исполнилось всего 10 лет. При поддержке патриарха Иоакима, Нарышкины и их сторонники возвели на престол Петра.

Милославские увидели в этом ущемление своих интересов и воспользовавшись недовольством московских стрельцов, чтобы прийти к власти, спровоцировали их бунт. Из-за пустой казны стрельцам задерживали жалование, кроме того, с подачи клана Милославских, распространялись ложные слухи: якобы, царь Федор Алексеевич умер не своей смертью, что его отравили, а царевич Иван мертв - его задушили Нарышкины.

Стрельцы ворвались в царский Дворец и стали творить бесчинства, вылавливая и убивая Нарышкиных. В результате погибли два брата Натальи Нарышкиной, престарелый князь Юрий Долгорукий, его сын и многие их сторонники. Кровопролитие происходило три дня с 15 по 17 апреля 1682 года на глазах 10-летнего Петра. Вряд ли стрельцы могли подумать, как страшно отомстит им юный царь за унижение и убийство его родных.

В результате, по настоянию Милославских, в июне 1682 года на царство венчались оба брата – Иван, неспособный управлять страной, а также Петр. Но фактически власть перешла к царевне Софье, занявшей резиденцию в Кремле, а Петр со своей матерью Натальей Кирилловной был вынужден удалиться в Преображенское.

В 1689 году Петру исполнилось 17 лет и формально условий для регентства Софьи не оставалось. Но царевна не собиралась отказываться от престола и между ней и Петром сохранялось жесткое противостояние. В августе Петру донесли, что на него готовится покушение. Напугавшись, он в скрылся в Троице-Сергиевом монастыре, куда направилось и его потешное войско, представляющее к тому времени значительную силу. Здесь он подписал указ, в котором приказывал стрелецким полковникам явиться в его распоряжение в сопровождении стрелецких выборных. За неисполнение приказа царь грозил им смертной казнью.

Вскоре большинство стрельцов подчинилось Петру и прибыло в Троице-Сергиеву лавру, а Софья, оставшись без поддержки, была заточена в Новодевичий монастырь.

Второй стрелецкий бунт произошел в 1698 году. Его причиной считается недовольство стрельцов малым жалованием и оторванностью от семей. В то же время Софья, мечтавшая возвратиться на трон, призвала стрельцов прийти к ней на помощь и защитить Россию от нашествия иноверцев. Воспользовавшись отъездом Петра из Москвы, стрельцы направились в столицу, но дойти им удалось только до Воскресенского Новоиерусалимского монастыря. Здесь они были разгромлены войсками, верными Петру.

Возвратившись из-за границы, царь начал расследование, сопровождавшееся пытками и казнями. По его приказу более тысячи восставших было казнено самыми разными способами, около шестисот человек сосланы в ссылку. Царица Софья, постриженная в монахини, скончалась в 1904 году, пережив своих сторонников-стрельцов на 6 лет.

Художник Василий Суриков обращается к трагической истории стрелецкого бунта. На полотне мы видим сцену казни, происходящую на Красной площади, на Лобном месте. Художник изобразил момент, предшествующий самой расправе, последние минуты жизни стрельцов. Приговоренные к смерти они прощаются со своими родными и единомышленниками, одного из них уже ведут на казнь.

Первоначально Василий Суриков хотел изобразить на картине и несколько казненных. Однако, после того, как его служанка упала в обморок, увидев нарисованного мелом повешенного, художник отказался от своего замысла.

Центральной сюжетной линией картины является противостояние двух личностей – стрельца, в руках которого свеча (символ похорон и смерти) и Петра, гордо, восседающего на коне. Взгляды их непримиримы, полны ненависти и гнева.

Обратите внимание, что солдаты выстроились точно вдоль Кремлевской стены, над которой кружат вороны, а приговоренные к смерти, одетые в белую одежду, со свечами в руках изображены на фоне Собора Василия Блаженного. Даже смерть не заставила их отречься от своих взглядов.

Одного из стрельцов повели на казнь, его свеча потушена и брошена в грязь. Солдат в центре отобрал свечу у седого стрельца и тушит ее. Скоро и того ждет расправа. Несколько свечей горят пока ровно и ярко. Сколько горечи и отчаяния в лицах жен, матерей и детей обреченных на гибель, но не раскаявшихся стрельцов!

На картине Василия Сурикова «Утро стрелецкой казни» главным действующим лицом является народ, именно его художник изобразил на переднем плане. Лица стрельцов и солдат чем-то похожи, а ведущего на казнь бунтовщика солдаты по-приятельски поддерживают. Тем самым, художник хотел показать, что разделенный историей народ остается единым.



Репин И.Е. «Царевна Софья Алексеевна через год после заключения её в Новодевичьем монастыре»

www.msk-guide.ru
/page_21404.htm


еще фотографии →



Зал 29

Картина «Царевна Софья Алексеевна через год после заключения ее в Новодевичьем монастыре» - это первая работа Ильи Репина на историческую тему. Художник с необыкновенным мастерством передал не только характер и внутренние переживания свергнутой с престола царевны, но убедительно воссоздал историческую эпоху конца XVII века.

В 1698 году московские стрельцы, участвовавшие в Азовских походах, вместо возвращения в столицу, были направлены в Великие Луки, к новому месту службы, что вызвало их резкий протест. Около двухсот челобитчиков направились в Москву, намереваясь возвратить к власти царевну Софью, заточенную Петром в Новодевичьем монастыре. Но вскоре мятежники были выбиты из столицы и возвратились к месту службы ни с чем. Воспользовавшись отсутствием в Москве Петра, теперь уже почти четыре тысячи стрелков отправились в столицу с целью возвести на трон Софью Алексеевну. Так недовольство стрелков переросло в восстание.

Но дойти до столицы мятежным стрелкам не удалось. Недалеко от Новоиерусалимского (Воскресенского) монастыря они были разгромлены солдатами Преображенского, Семёновского, Лефортова и Гордонова полков.

Расправы над восставшими начались еще до возвращения царя из-за границы. Приехав в Москву, Петр проводит новое следствие и новые казни. В результате, по приказу царя, было казнено более 1700 мятежников.

Царевну Софью, сестру Петра, насильно постригли в монахини. Перед ее окнами, по приказу царя, были повешены три стрельца с челобитной к ней. В назидание их тела не убирали в течение пяти месяцев. Шесть лет, до самой смерти в 1904 году, она оставалась в Новодевичьем монастыре.

В небольшой келье во весь рост Илья Репин изобразил царевну Софью, одетую в белое парчовое платье. Мы видим сильную, энергичную женщину, взгляд которой полон злобы и ненависти, а в позе – независимость и царское достоинство. Она, словно, львица в клетке, бессильна что-то сделать, а в то же время в ее душе боль и страдание.

Вместе с тем, многие художники считали, что Репин изобразил Софью менее одухотворенной и старше, чем она была в то время, слишком мужиковатой и некрасивой.

На стенах кельи мы видим иконы, на столе – скатерть, на ярко-красном ковре – несколько капель от растаявших свеч. Девочка в монашеской одежде, сидящая в углу, смотрит на царевну с испугом. За окном видна церковь и виселица с повещенным стрельцом.

Картина Ильи Репина «Царевна Софья Алексеевна через год после заключения ее в Новодевичьем монастыре» передает зрителю не только чувства, которые испытывала отстраненная от власти царевна. Это своеобразная повесть о трагической странице нашей истории, когда шла непримиримая борьба за власть, повлекшая гибель многих людей разных сословий.



Пукирев В.В. «Неравный брак»

www.msk-guide.ru
/page_21383.htm


еще фотографии →



Зал 16

Работа Василия Пукирева «Неравный брак» поразила общество своей правдивостью и злободневностью. Картина, представленная на выставке Академии художеств в 1863 году, произвела на публику настоящий фурор. Сюжет полотна был взят из современной жизни, когда браки часто были похожи на куплю и продажу. По общему мнению, в этой работе художник отразил факты своей личной жизни.

На картине мы видим сцену венчания в церкви. Полумрак и только лицо, плечи и платье невесты освещены светом, струящимся из окна. Девушка, словно цветок, нежна и беззащитна, она выглядит почти ребенком. Престарелый жених одет в дорогой костюм, на шее – крест, на груди – звезда, награды явно неуместные для венчания. Видя слезы и отчаяние невесты, он надменно и осуждающе смотрит на нее.

Обратите внимание на молодого красивого мужчину со скрещенными руками, стоящего позади невесты. Его ненавидяще-отчаянный взгляд направлен в спину чопорного жениха. Кто этот мужчина? В его образе Вы несомненно найдете сходство с Василием Пукиревым.

Известно, что невесту на картине «Неравный брак» художник написал с Прасковьи Матвеевны Варенцовой, Василий Пукирев был влюблен в девушку, но ее выдали замуж за богатого купца, однако, счастья и богатства брак ей не принес.

Часто Василия Пукирева называют автором одной великой работы – картины «Неравный брак», хотя художник писал пейзажи и портреты, иконы, картины на исторические и евангельские сюжеты. Мастер открыто осудил меркантильность российского общества и показал, что самое страшное в «Неравном браке» – это не только большая разница в возрасте, но и разница во взглядах, воспитании и в состоянии.

Картина всколыхнула общество. Как заметил Илья Репин, она попортила кровь не одному престарелому генералу. А известный историк и публицист Николай Костомаров отказался от женитьбы на молодой особе. За картину «Неравный брак» Пукирев был удостоен звания профессора живописи.



Флавицкий К.Д. «Княжна Тараканова»

www.msk-guide.ru
/page_21374.htm


еще фотографии →



Зал 16

Картина Константина Дмитриевича Флавицкого «Княжна Тараканова» не оставит вас равнодушным. Работа художника была написана в 1864 году и сразу вызвала бурные споры и волнения. В Академических кругах отнеслись к картине с прохладой, а общественность выразила свой восторг.

Мрачный темный каземат Петропавловской крепости, наводнение. Вода в Неве поднялась так высоко, что хлынула в камеру. В луче света мы видим молодую прекрасную женщину в шелковом заношенном платье. Она в отчаянии, не чувствует холода и не обращает внимания на крыс, копошащихся вокруг нее.  Вся ее фигура пронизана ужасом и безнадежностью, она знает, что близок час ее смерти. Чем же заслужила красавица, в прошлом богатая, такую страшную участь?

Художник изобразил легендарную историю гибели самозваной принцессы, выдававшей себя за дочь императрицы Елизаветы Петровны. Молодая особа появилась в Париже в 1772 году, представившись как Али Эмети. Фамилия Тараканова появилась позже - так в народе стали называть незаконную дочь Елизаветы от тайного брака с графом Разумовским.

Располагая большими деньгами, «русская принцесса» много путешествовала по Европе, представляясь наследницей престола и сестрой Емельяна Пугачева, причем называла себя разными именами.

Сначала Екатерина II презирала авантюристку. Вместе с тем, вскоре обнаружились ее связи с Речью Посполитой.  Когда самозванка предъявила бумагу, якобы написанную Елизаветой Петровной и закрепляющую за ней право на титулы и корону Российской империи, императрица предприняла жесткие меры. По ее поручению граф Алексей Орлов заманил самозванку на русский корабль, стоявший в Ливорно, где она и была арестована. Затем ее заключили в Петропавловскую крепость, там, в 1775 году, неизвестная скончалась от чахотки.

Сцена, изображенная на полотне, не является исторической достоверной. Известно, что наводнение, затопившее камеры Петропавловской крепости, произошло в сентябре 1777 года, то есть уже после смерти самозванки.

Несмотря на то, что сюжет картины Флавицкого К.Д. «Княжна Тараканова» является вымышленным, по единодушному мнению всех критиков, работа создана с безупречным мастерством. Художник сумел передать психологическую правду и острую выразительность драмы. Зритель и в наши дни остается под сильным впечатлением от художественной силы изображенной на холсте трагедии.



Перов В.Г. «Тройка» («Ученики мастеровые везут воду»)

www.msk-guide.ru
/page_21386.htm


еще фотографии →



Зал 17

Картина Василия Перова «Тройка» не оставит равнодушным ни одного зрителя. Жалость и сострадание, возмущение несправедливостью и невозможность как-то помочь детям, - эти чувства испытает любой человек, увидевший картину.

На полотне Перова мы видим, как девочка и два мальчика, выбиваясь из последних сил, везут бочку воды.  Ветер пронизывает насквозь их ветхую одежду. Мороз, пролитая вода тут же превращается в сосульки. Жалостливый прохожий помогает детям преодолеть пригорок, покрытый коркой льда. Впереди бежит собака, но и она не прибавляет радости происходящему. Картина написана в серо-коричневых тонах, тем самым автор хотел передать серость и низость того бездушного времени.

Картина написана в 1866 году и хотя к этому времени крепостное право было уже отменено, положение крестьян оставалось бедственным. Большинство из них жило в нищете, голодало, а детский труд использовался повсеместно.

Название работы «Тройка» вызывает мысль о тройке лошадей и невольно добавляет драматичности в картину. Действительно, трое изможденных детишек, запряженных в повозку, подобно тройке лошадей, в ужасных условиях выполняют тяжелую непосильную физическую работу.

Другое название картины - «Ученики мастеровые везут воду». Отдать детей в город, к мастеровому, считалось большой удачей. Но часто мастеровые нагружали детей непосильной работой. Именно такой случай и изобразил художник.

Василий Перов очень тщательно подбирал натурщиков. Девочку и мальчика, изображенного с края, Перов нашел сразу. А вот мальчика, нарисованного в центре композиции, ему долго пришлось искать.

Как-то раз он встретил женщину с сыном 10-12 лет, подходившего для картины, которую уже наполовину написал художник. Женщину звали Марьей, она рассказала, что ее муж и все дети, кроме Васи, умерли и вся ее надежда была только на единственного оставшегося ребенка. С разрешения матери художник изобразил мальчика в центре композиции.

Через несколько лет Марья нашла Перова и рассказала ему, что Вася заболел и умер. Она продала всё, что у нее было и собрала немного денег. Марья умоляла художника продать ей картину.

К тому времени полотно находилось в Третьяковской галерее и выкупить его было невозможно. В память о сыне Василий Перов написал для матери портрет Васи.

Своей картиной «Тройка» Василий Перов обращает внимание общества на судьбу обездоленных детей, поднимает вопрос о неравенстве, бесправии и бедноте крестьян.



Перов В.Г. «Охотники на привале»

www.msk-guide.ru
/page_21423.htm


еще фотографии →



Зал 17

Картина «Охотники на привале» - одна из самых известных работ Василия Перова. Художник очень любил охоту и часто был участником компаний, где рассказывались интересные «охотничьи» истории. На картине изображена сцена из жизни охотников, близкая и понятная самым широким слоям публики, в том числе и простому народу.

В центре картины художник запечатлел трех мужчин, отдыхающих после удачной охоты. Это совершенно разные по характеру люди, разного возраста, но каждый из них интересен по-своему. Рассказ ведет самый старший из них. Жестикулируя, он рассказывает о недавнем приключении. Молодой мужчина (справа) слушает его доверчиво, по всей вероятности, не сомневаясь в правдивости его слов. А вот мужчина в центре скептически настроен и с улыбкой наблюдает за рассказчиком, подозревая, что это его очередная выдумка.

Обратите внимание на трофеи охотников, так мастерски написанные Василием Перовым. Метко подстреленные заяц и куропатки могли бы составить отдельный прекрасный натюрморт.

Василий Перов намеренно рисует троицу на фоне унылого осеннего пейзажа, направляя все внимание зрителя на охотников. Художник прекрасно передает характер и внутренний мир каждого из них.

Отметим, что на картине «Охотники на привале» Василий Перов изобразил своих друзей, также страстных охотников. Самый старший из них - известный врач Дмитрий Кувшинников, рядом - его коллеги Василий Бессонов (скептик) и 26-летний Николай Нагорнов.



Перов В.Г. «Портрет Ф.М. Достоевского»

www.msk-guide.ru
/page_21387.htm


еще фотографии →



Зал 17

В 1872 году Павел Третьяков поручил Василию Перову написать портрет Федора Достоевского. Работа была выполнена настолько удачно, что полотно стало самым известным портретом писателя. Кроме того, среди портретов, созданных Перовым, этот был признан самым лучшим.

Художник с большой симпатией относился к Достоевскому и особенно высоко ценил его роман «Преступление и наказание». Во многих вопросах их объединяла общность взглядов и одинаковые убеждения. Поэтому именно Перову Третьяков поручил это непростое задание – написать для его галереи портрет гениального писателя.

Задача была очень сложной и не только из-за масштабности личности портретируемого. Дело в том, что Достоевский сам определил ценность изображения. Он считал, что главное – отобразить не внешнюю схожесть, а характер и духовный мир человека.

Прежде, чем взяться за работу, Перов неделю вел беседы с писателем и вызывал его на споры, чтобы запомнить выражение его лица в тот момент, когда тот был погружен в философские и нравственные рассуждения.

Портрет написан на темном фоне и всё внимание зрителя направлено на лицо Достоевского. Кроме того, почти черный фон символизирует тёмные стороны нашей жизни, его пороки, недостатки, в которых вынужден жить думающий человек. Образ писателя является чем-то светлым в море несовершенства, лжи и преступлений.

Достоевский скрестил руки на колене, он сосредоточен, а взгляд направлен в одну точку. Василий Перов смог уловить и передать зрителю минуту творчества писателя-мыслителя.

Работа Василия Перова «Портрет Ф.М. Достоевского» была высоко оценена современниками, а для всех следующих поколений образ писателя слился с этим выдающимся творением.



Перов В.Г. «Сельский крестный ход на Пасхе»

www.msk-guide.ru
/page_21388.htm


еще фотографии →



Зал 17

Среди работ Василия Перова есть несколько полотен, обличающих пороки современного общества. На картине «Сельский крестный ход на Пасхе» художник показал, как в русском селе крестьяне празднуют главный церковный праздник.

Воскресное весеннее утро. После праздничной пасхальной службы совершается крестный ход. Священник, одетый в праздничную одежду, стоит на крыльце, еле держась на ногах. Небольшой крест в его руке опущен, он, словно забыл о нём. Двое крестьян сильно пьяны, один из них пытается встать на ноги, другой уже крепко спит под крыльцом.

Молодая женщина с упоением поёт молебен, а старик в лохмотьях, справа от неё, несёт икону перевернутой. Перед ними идут трое мужчин, один из них несёт крест и подпевает крестьянке, не обращая внимания на своих соседей, что-то обсуждающих.

Полотно было написано в 1861 году, в тот же год, когда было отменено крепостное право. В стране начались реформы, а для крестьян эта Пасха, вероятно, стала двойным праздником.

После представления картины на суд общественности начались скандалы. Василия Перова обвиняли в том, что он выхватил из жизни один грязный эпизод. Многие зрители были просто шокированы увиденным и называли полотно сатирическим.

Власть, так не любившая критику, приказала снять безнравственную картину с выставки и не показывать ее никому. К счастью, Павел Третьяков успел приобрести картину и она сохранилась в его галерее. Вместе с тем, передовая общественность одобрила работу Перова, сам же художник не испугался критики и создал новые полотна в духе критического реализма.

Надо отметить, что замысел картины «Сельский крестный ход на Пасхе» Василия Перова является критикой не самой веры, а лишь непорядочной части духовенства, чьи ризы - лишь прикрытия от грехов и падения нравственности.



Перов В.Г. «Никита Пустосвят. Спор о вере»

www.msk-guide.ru
/page_21389.htm


еще фотографии →



Зал 17

В последние годы жизни Василий Перов обращается к историческим и религиозным темам. Картина «Никита Пустосвят. Спор о вере», написанная в 1881 году, посвящена событию, случившемуся в 1682 году.

В 1650-1660 годах патриарх Никон провел церковную реформу, в результате которой произошел раскол русской православной церкви. Суздальский священник Никита Добрынин (старовер) был противником преобразований. В 1682 году он добился проведения «прений о вере». Староверы просили устроить дебаты на Красной площади. Зная, что за Никитой Добрыниным стоит толпа единомышленников, Патриарх Иоаким боялся публичных обсуждений и перенес их в Грановитую палату Московского Кремля, В результате на диспут, состоявшийся 5 июля, смогли попасть не все приверженцы старой веры.

Никита выступил с яркой речью, но его слова не убедили присутствующих. Не имея никаких аргументов, чтобы возразить священнику, патриарх Иоаким (справа от Софьи) прервал диспут, объявив своего оппонента «Пустосвятом». Вместе с тем, Никита и другие староверы считали себя победителями спора. Однако, на следующее утро по приказу царицы священник был обвинен в государственной измене и казнен, а его сподвижники разосланы по монастырям.

Композиция картины строится на противопоставлении левой части полотна, где изображены представители высшего духовенства и царствующие особы во главе с царицей Софьей, с правой частью, где мы видим раскольников-старообрядцев. Никита Пустосвят держит крест, рядом с ним - монах Сергий, одетый в рясу и черную шапочку, в руках у него – челобитная с требованием восстановить старую веру. На полу сидит потрясенный речью священника архиепископ Холмогорский Афанасий (Любимов), противник староверов (он приложил руку к щеке и отстраняется от разгневанного Никиты).

Масштабное полотно Василия Перова «Никита Пустосвят. Спор о вере» стало последней работой гениального мастера. Картина написана беспристрастно и не передает отношение живописца к происходящему. Вместе с тем спор о вере, начатый мечом в 1682 году, продолжался еще несколько веков. В гонениях староверов официальное духовенство превзошло государство настойчивостью, озлобленностью и непримиримостью.



Саврасов А.К. «Грачи прилетели»

www.msk-guide.ru
/page_21391.htm


еще фотографии →



Зал 18

Картина «Грачи прилетели», написанная Алексеем Саврасовым в 1871 году, знакома нам с детства. В том же году она была представлена на первой выставке Передвижников в Петербурге и сразу была замечена зрителями. Небольшое по размеру полотно (62 на 48 см) стало гвоздем показа и  после выставки было приобретено Павлом Третьяковым для своей галереи.

Почему же картина «Грачи прилетели» так нам близка? Талантливый живописец сумел на небольшом пространстве полотна вместить всю душу России, чего не удавалось другим художникам и на больших картинах.

Весна, начал таять снег, небо почти все затянуто облаками. Мы видим небольшое село, старые деревянные избы и церквушку с шатровой колокольней. На первом плане изображены березы, на которых прилетевшие грачи строят гнезда. Мы чувствуем, что птицы радостно галдят и суетятся.

В первых проталинах отражается кусочек голубого неба. Вот и дымок из труб домов струится, снег уже серый, тяжелый. Все здесь напоено легким дыханием весны. За березами виднеется куст вербы и Саврасов напоминает нам, что скоро наступит вербное воскресенье, а за ним и Пасха - светлый праздник Воскресения.

Алексей Саврасов мастерски передал зрителю то весеннее настроение, когда вся природа просыпается и оживает. Мы чувствуем это радостное ожидание обновления и приход солнечных и теплых дней.

Картина Алексея Саврасова «Грачи прилетели» признана одной из вершин русского пейзажа, часто ее называют символом России. Полотно создано во время пребывания художника на Волге, в Костромской области, в селе Молвитино. Этот незатейливый пейзаж, так близкий и понятный каждому жителю России, стал олицетворением русской природы.



Васильев Ф.А. «В крымских горах»

www.msk-guide.ru
/page_21390.htm


еще фотографии →



Зал 18

Федор Васильев провел в Крыму, где он лечился от чахотки, два последних года своей жизни. Его картина «В крымских горах», созданная в 1873 году, - одна из немногих работ художника, посвященная этому краю.  Природа Крыма многообразна и красива, но всем экзотическим пейзажам Федор Васильев предпочел очень понятный и, вместе с тем, сложный по своей композиции горный ландшафт.

Чтобы показать устремленность вверх гор, сливающихся с небом, их красоту художник выбирает вертикальный формат. В центре полотна изображены высокие стройные сосны, больше похожие на так любимые им северные деревья. На горной дороге повозка, запряженная быками.

Вглядываясь в это самобытное, отдаленное от всех влияний полотно, мы чувствуем величавость и торжественность, казалось бы, обыденного сюжета. Нам непривычно то, что изобразил художник, здесь нет ярких красок и необычного сюжета. Зритель, словно сам, стоит под соснами и вскоре поднимется на гору. Взгляд наш поднимается на самый верх картины, от красоты которого нам остается только восхищаться.

«Это гениально», - так оценил полотно художника Иван Крамской. Федор Васильев никому не подражает, но его картина «В крымских горах» располагает к раздумью, к постижению глубокого смысла природы.



Крамской И.Н. «Лунная ночь»

www.msk-guide.ru
/page_21380.htm


еще фотографии →



Зал 20

Картина Ивана Николаевича Крамского «Лунная ночь» является настоящим шедевром в творчестве автора. Первое ее представление на выставке в 1880 году вызвало восторг публики и одобрение большинства художников и критиков. Картина чарует зрителя своей лиричностью и таинственностью.

Летняя лунная ночь, аллея тополей в парке. В укромном уголке у пруда на скамейке отдыхает молодая прекрасная женщина. Одетая в роскошное белое платье, накинув на плечи шаль, она о чем-то задумалась. О чем переживает она, глядя на белые лилии, замершие на водной глади? Что ее беспокоит, о чем она мечтает в эту спокойную безветренную ночь?

Ничто не нарушает ее покой и кажется, что свет исходит не от луны, а от самой женщины.

Живописец умел передать необычность ночного освещения – таинственного, изменяющего все окружающее до неузнаваемости. Благодаря искусному изображению лунного света и тени, художник изобразил всю прелесть летней ночи, когда только настойчивый лучик луны, как в сказке, пробился сквозь кроны высоких тополей и осветил загадочную незнакомку.

Картина Ивана Крамского «Лунная ночь» заставляет задуматься о прекрасном единении человека и природы, о земных ценностях, о чувствах, красоте и состоянии души человека.



Крамской И.Н. «Русалки»

www.msk-guide.ru
/page_21381.htm


еще фотографии →



Зал 20

Картина Ивана Крамского «Русалки» относится к жанру фантастической живописи. Художник был большим почитателем творчества Николая Гоголя и повесть писателя «Майская ночь» или «Утопленница» из цикла рассказов «Вечера на хуторе близ Диканьки» вдохновила Крамского написать картину «Русалки».

Во многих работах Ивана Крамского мистика соседствует с природой. Согласно преданию, девушки, утопившиеся от несчастной любви, становились русалками и заманивали в свои сети молодых людей. На картине «Русалки» на фоне вполне реалистического пейзажа Крамской нарисовал русалок, вышедших из пруда, освещенных холодным светом луны.

Считалось, что мистические сюжеты опасны сами по себе, а если учесть, что картина была написаны по произведению Гоголя, который также обожал загадочные сюжеты, полотно вышло, по признанию самого художника, фантастическим.

Публика увидела работу Крамского в 1871 году на выставке Товарищества передвижников. Полотно было одобрено общественностью. Вместе с тем, вскоре стали происходить загадочные явления.

Картина Алексея Саврасова «Грачи прилетели», висевшая рядом с «Русалками», неожиданно упала. Устроители выставки шутили, что русалкам не понравилось соседствовать с грачами.

Обе эти картины для своей галереи приобрел Павел Третьяков. Вскоре в комнату, где они висели, отказались заходить уборщицы, утверждая, что слышат пение, а в зале, где находится картина, чувствуется прохлада, как на берегу пруда.

Картину много раз перевешивали и когда наконец ей нашли место в темном углу, вдали от солнечного света, русалки «успокоились».

Надо отметить, что работа над картиной «Русалки» доставила Ивану Крамскому очень много труда. Он не хотел, чтобы его полотно стало иллюстрацией к рассказу Гоголя. Художник мечтал изобразить чудную летнюю ночь с ее завораживающим лунным светом. И Крамской, действительно, сумел «поймать луну». Лица девушек меланхоличны, они лишены индивидуальности, а вся их красота отражена в загадочном лунном свете, освещающем их фигуры, лилии в пруду, тополя и хату с соломенной крышей. Изобразить так мастерски ночной пейзаж и лунный свет не удавалось никому.



Крамской И.Н. «Неизвестная»

www.msk-guide.ru
/page_21382.htm


еще фотографии →



Зал 20

Картина Ивана Крамского «Неизвестная» была представлена публике в 1883 году. Для того времени это было крайне необычное произведение живописи, которое произвело эффект разорвавшейся бомбы. Картина не соответствовала ни концепции Товарищества Передвижников, на выставке которого она была показана, ни представлениям общества о дозволенном.

На полотне крупным планом на фоне очертаний Аничкова дворца изображена красивая женщина в коляске. В дорогой одежде, ярко накрашенная, с высокомерным взглядом. Художник оставил в тайне ее имя и назвал картину «Неизвестная». Часто можно услышать и другое название картины - «Незнакомка». Так ее стали называть после публикации в 1906 году знаменитого стихотворения Александра Блока.

Вокруг необычной картины и ее героини возникло много слухов и загадок. Кто же это красивая, богато и очень модно одетая женщина с высока смотрящая на окружающих?

Есть литературные версии, согласно одной из которых образ Незнакомки связан с главной героиней романа Льва Толстого «Анна Каренина». С другой стороны, по описанию, данному Федором Достоевским, его Настасья Филипповна в романе «Идиот» также напоминает Незнакомку.

Если же посмотреть на картину Крамского «Девушка с кошкой», где изображена дочь художника Соня, вы опять заметите сходство. Существует и десяток других версий об имени незнакомки.

Вместе с тем, судя по богатой и модной одежде, можно предположить, что молодая женщина – содержанка или актриса, располагающая покровительством богатого человека. На незнакомке бархатный берет со страусовым пером, пальто из хорошего сукна с отделкой из соболиного меха и дорогие лайковые перчатки. Муфта украшена атласной лентой, на левой руке – золотой браслет. Точное подражание моде было характерно для нуворишей, тех, кто занял место в высшем свете благодаря деньгам.

Художник называл свою работу не портретом, а картиной. Действительно, полотно очень напоминает кадр из фильма и, увидев ее хотя бы один раз, зритель запомнит этот образ на всю жизнь. «Неизвестная» признана одной из лучших картин, созданных живописцем.

За холодным и высокомерным взглядом Незнакомки скрывается внутренняя энергия и страсть. Художник, скорее всего, изобразил собирательный образ женщины того времени. А самое главное «Неизвестная» Ивана Крамского - это образ, в котором отразилось понимание красоты самого художника.



Маковский К.Е. «Дети, бегущие от грозы»

www.msk-guide.ru
/page_21396.htm


еще фотографии →



Зал 22

Династий, ставших известными в искусстве, очень мало. Одна из них – талантливые художники семьи Маковских. Больше всех прославился Константин, сын Егора Маковского, написавший немало портретов и исторических картин. Также художник является и автором жанровых произведений. Одно из них, «Дети, бегущие от грозы» отличается яркостью и особой эмоциональностью.

Летний день. На переднем плане картины крупным планом изображена девочка, которая несет на спине младшего брата. Гроза застала их в лесу во время сбора грибов и сестра, посадив брата на плечи, пытается как можно быстрее добежать до дома. Детям страшно, видимо, они услышали раскаты грома или только что блеснула молния. Испугавшись грозы, они торопятся укрыться от стихии.

Девочка и ее брат босые, а по одежде мы видим, что они из простой крестьянской семьи. По обычаю, на Руси старшие дети всегда заботились о младших. Ветер дует ребятам в спину, растрепал их светлые волосы. Узкий мостик прогнулся, но девчушка не обращает на это внимания, она очень встревожена и вглядывается в потемневшее небо.

С большим мастерством художник изобразил природу – лес вдалеке и поле созревшей ржи, цветущие травы и кувшинки в речке.

Картину «Дети, бегущие от грозы» художник написал в Тверской области. Однажды, во время работы над эскизами, его окружили крестьянские дети. Беседуя с ними, он обратил внимание на бойкую любознательную девочку и предложил её нарисовать. Но на следующий день, в назначенное время девочка не пришла, а её братик объяснил, что во время прогулки за грибами началась гроза. Проходя по мостику, девочка соскользнула в холодный ручей, после чего и заболела.

Так благодаря рассказу мальчика родился сюжет одной из самых известных картин Константина Маковского «Дети, бегущие от грозы», очень понятного по содержанию, яркого и волнующего полотна.



Маковский В.Е. «На бульваре»

www.msk-guide.ru
/page_21395.htm


еще фотографии →



Зал 24

Владимир Маковский – выдающийся мастер жанровых картин. Его полотна с изображением сцен из повседневной жизни русского народа – словно небольшой документальный фильм со своим сценарием и режиссурой.

С первого взгляда, сюжет картины «На бульваре», написанной в 1886-1887 годах, самый обычный. Но при детальном рассмотрении мы видим, что художник изобразил начало семейной драмы и поднял актуальную для того времени проблему России – отъезд крестьян на заработки в город и как последствие - разрушение патриархального уклада жизни.

Еще до отмены крепостного права крестьяне часто отправлялись в город подработать, а после 1861 года это явление стало повсеместным.

Осенний пасмурный день. Жена, оставшаяся в селе одна с ребенком, приехала в город навестить мужа, устроившегося мастеровым. Нарядно одетые супруги встретились на Сретенском бульваре в праздничный день. Подвыпивший муж, развалившись на скамейке, играет на гармошке, ему скучно, он чувствует себя уже «городским» и совсем не думает о семье, ставшей для него далекой и чужой. Ему бы лучше пойти в кабак, а он вынужден провести этот день с женой, ставшей ему совсем ненужной.

На лице супруги – безысходность и отчаяние, любимый оказался чёрствым, равнодушным человеком, который больше не будет опорой в ее жизни.

Картина Владимира Маковского «На бульваре» затронула одну из самых острых проблем в России того времени -  раскрестьянивания русской деревни, когда глава семьи, покидал родную деревню и уезжал в город, когда рушились привычные устои деревенского мира.



Куинджи А.И. «После дождя»

www.msk-guide.ru
/page_21405.htm


еще фотографии →



Зал 21

Архип Куинджи - непревзойденный мастер пейзажной живописи и превосходный художник света. Его картина «После дождя» является ярким подтверждением таланта живописца. Куинджи не просто любил природу, она для него была живым существом и все её перемены интересовали и волновали художника.

Картина «После грозы» представляет нам природу, полную жизни и движения. Закончилась гроза и трава, напоенная дождем, светится ярко-зеленым цветом под лучами вечернего солнца. Мы чувствуем свежесть и ни с чем несравнимый аромат цветов, умытых водой.

Куинджи не показывает нам солнце, но мы о нём догадываемся по освещенной части полотна. Все здесь замерло, стало тихо и спокойно, даже лошадь, как ни в чем не бывало, пасется на лугу. Природа, словно очарована неведомой силой.

Но взгляните на небо. Часть его занята темными тучами, но они нас уже не страшат, ведь скоро ветер унесет их вслед за грозой. Ярко-зеленый луг пересекает речка. Она изгибаясь устремляется к хутору.

Картина Архипа Куинджи «После грозы» наполнена контрастами, это чёрные тучи и яркое солнце, необычный темно-фиолетовый цвет речки и переливающийся всеми оттенками зеленого цвета луг. Вместе с тем, пейзаж полотна наполнен жизнью, он реален и гармоничен.



Аргунов И.П. «Портрет неизвестной в русском костюме»

www.msk-guide.ru
/page_21366.htm


еще фотографии →



Зал 2

Портрет неизвестной крестьянки в русском костюме написан талантливым портретистом Иваном Петровичем Аргуновым. Судьба живописца сложилась непросто. Дело в том, что художник был крепостным графа Петра Борисовича Шереметева. Признанный мастер живописи управлял дворцами богатого графа. Он не испытывал нужды, но с рождения до самой смерти оставался крепостным.

Предположительно живописи Иван Аргунов учился у своих двоюродных братьев, воспитанников Андрея Матвеева и немецкого живописца Георга Кристофа Гроота, придворного художника императрицы Елизаветы.

Картина написана в 1780-е годы, когда на художника было возложено много обязанностей по хозяйству и на живопись у него оставалось совсем мало времени. Портрет неизвестной крестьянки в русском костюме, созданный в 1784 году, стал настоящим шедевром русской живописи XVIII века и лебединой песней художника.

Кто же изображен на портрете? Одни исследователи считают, что Иван Аргунов запечатлел актрису крепостного театра графов Шереметевых, красавицу, певицу Анну Изумрудову-Буянову, исполнявшую одну из ролей в русской опере. К слову сказать, в усадьбе Кусково крепостная актриса долгое время была любовницей Николая Петровича Шереметева.

Но вероятнее всего, на картине мы видим простую женщину, возможно кормилицу, одетую в праздничный наряд крестьянки Московской губернии. Приятные черты лица и легкая улыбка, умиротворенная поза и отсутствие манерности - всё это говорит о том, что на портрете - не актриса в костюме, а скромная, открытая и добрая женщина из народа.

Аргунов, всю свою жизнь работал по заказу, создавая портреты знатных особ, а на этот раз он изобразил свой идеал женщины - с чистой душой и телом крестьянки. И это был с его стороны смелый поступок. Портрет неизвестной крестьянки в русском костюме открыл новую крестьянскую тему в русской живописи.



Антропов А.П. «Портрет Петра III»

www.msk-guide.ru
/page_21368.htm


еще фотографии →



Зал 3

Глядя на портрет Петра III, созданный Алексеем Петровичем Антроповым, обращаешь внимание на контраст торжественной обстановки с непривлекательным образом императора, незадачливого супруга великой и великолепной Екатерины II.

В 1762 году Святейший Синод решил украсить свою парадную залу портретом недавно взошедшего на престол императора Петра III. Написать портрет пригласили Федора Рокотова, но его работа не понравилась государю (сейчас картина находится в Нижегородском художественном музее). Затем портрет Петра III рисует художник Алексей Антропов, служивший в Синоде.

Картину, выполненную Антроповым, государь одобрил. Ему хотелось видеть себя великим правителем и полководцем и, как ему казалось, таковым он себя увидел.

Художнику удалось передать торжественную парадную обстановку зала, он показал все царские атрибуты величия и в то же время сохранил подлинный характер личности Петра III, не идеализируя его.

Действительно, на картине мы видим все царские регалии – державу и скипетр, корону и мантию из горностая на кресле. Художник изобразил императора в динамичной позе – левая нога выдвинута вперед, одной рукой он опирается на маршальский жезл, другая - на поясе.

Вместе с тем, изображение Петра III совершенно не вписывается в обстановку парадного зала. Император выглядит неуклюжим, совершенно не мужественным – с узкими плечами и небольшим животиком. Однако, Петру III картина очень понравилась, он счел ее замечательной, а себя похожим.

Как только не высмеивали портрет Петра III критики – они говорили, что государь похож на кузнечика, что живот у него большой, голова маленькая, а рот лягушачий.

Вместе с тем, надо отметить, что живописцы XVIII века не создавали пародий на своих заказчиков, а стремились к точности изображения. Не удивительно, что портрет Петра III высотой почти 2,5 метра был высоко оценен современниками (картина была передана в Синод, а после революции хранится в Русском музее). Более того, вскоре для Сената А.П. Антропову была заказана копия с этого портрета. Именно она и находится в настоящее время в Третьяковской галерее.



Рокотов Ф.С. «Портрет Екатерины II»

www.msk-guide.ru
/page_21367.htm


еще фотографии →



Зал 4

На протяжении всего периода царствования Екатерины II ее портреты писали лучшие русские и зарубежные мастера. Не все из них нравились императрице, но портрет, созданный Федором Рокотовым, пришелся ей по душе и она называла его одним из самых лучших.

Художник работал над портретом в Петергофе в 1763 году сразу после коронации Екатерины. Рокотов был учеником придворного елизаветинского художника Пьетро Ротари и все его работы отличаются желанием вникнуть в суть души и характера человека.

Екатерина II изображена в необычной позе, она, словно, беседует с невидимым нам человеком, что придает портрету динамичность и живость. Действительно, в начале 60-х годов XVIII века императрица увлекалась философскими учениями Дидро и Вольтера. Посмотрите на царственную осанку и выразительный профиль Екатерины. Ее взгляд и поза как бы устремлены в будущее, к новым планам и свершениям.

Также эта работа примечательна тем, что выбор профильного изображения фигуры встречается не часто.

Пышное платье, наличие царских регалий императрицы говорят о торжественной обстановке, а её образ идеален, - мы видим владычицу империи и женщину в расцвете лет. Безусловно, портрет Екатерины II, созданный Федором Рокотовым, - одна из самых лучших работ в галерее ярких и интересных образов царицы.



Матвеев Ф.М. «Вид Рима. Колизей»

www.msk-guide.ru
/page_21417.htm


еще фотографии →



Зал 6

Картина «Вид Рима. Колизей» создана в Италии русским художником Федором Михайловичем Матвеевым. Великолепный мастер классического пейзажа родился и получил образование в России, но еще юношей уехал в Италию, где и остался до конца своей жизни. Среди самых известных работ художника - картина «Вид Рима. Колизей», написанная в 1816 году.

В центре композиции, на среднем плане художник изобразил Колизей, одно из самых знаменитых сооружений в мире, величественный памятник древней архитектуры. Федор Матвеев написал реальный пейзаж, такой, каким он его видел в конце XVIII – начале XIX века. Памятник представлен с разрушенной стороны и мы видим внутреннее устройство древнего сооружения.

Знаменитый исторический объект, овеянный историей, войнами и легендами, художник помещает в роскошный природный ландшафт. Деревья с обеих сторон полотна, словно кулисы, обрамляют «героя» композиции.

Федор Матвеев обладал удивительным талантом создать эффект глубины и масштабности пространства благодаря использованию различных оттенков цвета.

На переднем плане – буйная растительность, множество кустов, деревья и пальма. Оживляют чудесный пейзаж люди, отдыхающие рядом с гранитным парапетом. Глядя на небольшой размер их фигур, зритель может оценить величие строения и масштаб пространства, представленного на холсте. Кто они, эти люди, превосходно чувствующие себя в этом живописном окружении? Возможно, это монахи, путешественники или крестьяне.

Третий план служит фоном для главного исторического объекта. Отметим, как мастерски художник показал зрителю даль, окутанную свето-воздушной дымкой.

О Федоре Матвееве

Федор Матвеев получил образование в Петербургской Академии художеств, окончив Класс ландшафтной живописи. Во время учебы он прекрасно освоил правила академического пейзажа и за выпускную работу был награжден Золотой медалью, получив право поехать на стажировку в Италию. В 1779 году художник покидает Россию, но вернуться на родину ему было не суждено.

Здесь, на юге Европы, художник много рисует, изучая произведения известных мастеров, но главным его учителем стала великолепная природа Италии. Вскоре Федор Матвеев обрел собственную неповторимую манеру письма.

Работы русского живописца приобретают популярность, он получает много заказов с просьбой выполнить пейзажи Рима и его окрестностей. Неплохие гонорары позволили ему остаться в Италии после окончания срока пенсионерства.

Однако, через несколько лет популярность мастера падает и его материальное положение ухудшается. Чтобы рассчитаться с долгами и вернуться в Россию, он написал в Академию художеств письмо с просьбой о помощи. Но даже после повторного обращения ответ из России, так и не был получен.

Вместе с тем, в 1806 году живописцу было присвоено звание академика ландшафтной живописи за направленную в Санкт-Петербург картину «Вид Неаполя от подножия Позиллипо».

Работа Матвеева «Вид Рима. Колизей» признана одним из лучших образцов классического пейзажа в русской живописи. Автор работы, все последние годы жизни стремившийся вернуться в Россию, скончался в Италии в 1826 году.



Алексеев Ф.Я. «Красная площадь в Москве»

www.msk-guide.ru
/page_21418.htm


еще фотографии →



Зал 6

Федор Алексеев – первый в России мастер городского пейзажа. Им созданы великолепные полотна с изображением многих известных видов Санкт-Петербурга, Москвы и крымских городов. Одна из самых примечательных его работ – картина «Красная площадь в Москве», на которой художник изобразил не только главные памятники архитектуры, но и прекрасно передал московский образ жизни того времени.

Главное место в картине отведено Собору Василия Блаженного и Лобному месту. Обрамляют памятники истории такие архитектурные сооружения, как Кремлевская стена и Спасская башня с двуглавым орлом (справа), а также здание Главной Аптеки и Торговые ряды (слева). За кремлевской стеной, справа от Спасской башни мы видим главы Вознесенского монастыря, слева возвышается шатер Часовой башни.

Полотно отличается достоверностью и даже документальностью, но в то же время художник не просто «перечислил» важные объекты Красной площади, но и создал живой образ большого, величественного города. Крестный ход и торговые ряды, лошади и собаки, кареты и повозки, женщины в нарядных платьях и торговцы, предлагающие товар, тщательно прорисованы и показывают теплое, человечное отношение автора ко всему происходящему.

На картине изображен деловой и в то же время праздничный город, а также горожане, живущие своими скромными заботами. Именно эти сцены придают полотну правдивость и уют. Свое радостное мажорное настроение автор передает с помощью золотисто-розовых красок для главных образов и голубого цвета неба, занимающего половину холста.



Соколов Т. «Мальчик будит перышком сидящего товарища»

www.msk-guide.ru
/page_21419.htm


еще фотографии →



Зал 6

Работа Тимофея Соколова «Мальчик будит перышком сидящего товарища» - одна из самых загадочных картин Третьяковской галереи. Размер полотна – 155 на 115 см и это единственная известная картина художника. Впрочем, и о самом авторе картины почти ничего неизвестно.

Летний солнечный день. В центре полотна художник изобразил двух мальчиков 5-6 лет. После игры в саду и прогулки один из них склонился над книгой и, устав от чтения, заснул. Второй мальчуган, подкравшись к нему, будит товарища перышком. Видимо, собака знакома с друзьями, она спокойно и дружелюбно смотрит на подошедшего.

Картина написана в 1811 году, но об ее авторе Тимофее Соколове известно то, что родился он в 1789 году, в 11 лет поступил в Петербургскую Академию художеств. За эту картину в 1811 году был награжден второй серебряной медалью, а в следующем году уволен.

Вместе с тем, на самой картине значится надпись «1811. Год Щукинъ», а в каталог Третьяковской галереи, составленный в 1952 году, картина занесена под названием «Портрет Петра Григорьевича Демидова (1807-1862) и Павла Григорьевича Демидова (180.-1858) в детстве».

Но в 1811 году Петру и Павлу было всего 4 и 2 года, что явно не соответствует возрасту изображенных на холсте мальчиков. И кто же на самом деле автор картины?

Вместе с тем, существует акварельный портрет Петра Григорьевича Демидова, выполненный в 1835 году другим живописцем, Петром Соколовым. Кто этот художник, видимо, тоже имеющий отношение к семейству Демидовых?

До 1925 года картина находилась в собрании Павла Александровича Демидова (внука изображенного на полотне Павла Демидова).

Так или иначе, но картина Соколова «Мальчик будит перышком сидящего товарища» наполнена солнцем и теплом. Мы видим минуты безмятежности и детского счастья, нас радует та нежность и тепло, с которыми автор изобразил своих героев.



Боровиковский В.Л. «Портрет М.И. Лопухиной»

www.msk-guide.ru
/page_21369.htm


еще фотографии →



Зал 7

Портрет Марии Ивановны Лопухиной пленяет нас красотой и гармонией. Недаром, по мнению большинства посетителей Третьяковской галереи, работа Владимира Боровиковского входит в четверку самых любимых картин.

Удивительно, как удалось художнику с помощью красок передать нежность и доброту, мягкость и очарование молодой женщины. Черты ее лица нельзя назвать идеальными. Нас завораживает не белизна ее кожи и чуть эротичная поза. Мы очарованы ее взглядом, глазами и полуулыбкой, в которых скрыта великая тайна, которую уже никто не разгадает. Русская Мона Лиза – так можно сказать про портрет М.И. Лопухиной.

Кто же эта очаровательная женщина? На картине изображена 18-летняя дочь отставного генерала Ивана Толстого, недавно вышедшая замуж за Степана Авраамовича Лопухина, старшего егеря при дворе Павла I. Мы видим милую женщину, излучающую счастье и умиротворение. К сожалению, через пять лет молодая графиня угасла от чахотки. Эта внезапная смерть родила множество слухов. Виноватым считали даже Боровиковского, обвиняя его в том, его картины приносят беду.

Среди суеверных людей стали распространяться слухи, что отец Марии вселил душу умершей в эту картину. Молва утверждала, что все молодые девушки, посмотревшие на картину, скоро умрут.

Все сомнения были развеяны после того, как произведение живописи в конце 1880-х годов приобрел Павел Третьяков. Более столетия она выставлена на общее обозрение и, к счастью, случаев массовой смерти посетителей галереи не замечено.

Многие искусствоведы считают, что портрет М.И. Лопухиной, написанный Боровиковским, является самой поэтичной и лучшей работой художника-портретиста. Часто эту картину критики называют верхом сентиментализма в русской живописи.



Кипренский О.А. «Портрет А.С. Пушкина»

www.msk-guide.ru
/page_21420.htm


еще фотографии →



Зал 8

Работа Ореста Кипренского «Портрет А.С. Пушкина» - настоящая жемчужина Третьяковской галереи. Именно этот образ поэта и писателя, знакомый нам по многим книжным иллюстрациям, остался в нашей памяти с самого детства.

Орест Кипренский считался лучшим портретистом своего времени. Портреты он писал с натуры, причем, его работы всегда отличались тщательным воспроизведением всех деталей, а кроме того, он с необычайным мастерством умел передать душевное состояние героя. Поэтому мы можем уверенно сказать, что Пушкин на картине представлен точно и правдиво.

Полотно было написано по заказу поэта Антона Дельвига, самого близкого друга поэта. По просьбе Дельвига на холсте появился символ поэзии – фигура музы с лирой в руках, которая всегда была спутницей Пушкина, его вдохновением. Это единственная деталь на картине, чуть отвлекающая нас от одухотворенного образа модели.

Обратите внимание на одежду портретируемого – белоснежная рубашка, сюртук из дорогой ткани, небрежно накинутый плед (часто его называют плащом) и атласный платок на шее. Все в этом ансамбле говорит об изысканном вкусе и элегантности поэта.

В своей работе художник использует теплые золотисто-коричневые тона и лишь подкладка плаща в красно-зелёную клетку нарушает этот сдержанный благородный фон. Светлый фон вокруг головы поэта нам кажется похожим на нимб мученика.

Глаза поэта ясные и чистые, взгляд выразительный, несколько грустный и устремленный вдаль. Кажется, что он уже предвидит грядущие трагические события.

Поэт находится в творческом поиске, в раздумьях над каким-то новым произведением, он сосредоточен, его губы сомкнуты, он весь в своем мире вдохновения. Кипренскому удалось достичь гармонии в изображении поэта, удачно отобразив характер героя и его романтический образ.

Картина Ореста Кипренского «Портрет А.С. Пушкина» является шедевром Третьяковской галереи. По мнению современников, это лучший портрет поэта. Сам Пушкин также высоко ценил работу художника. После смерти Дельвига полотно находилось у его наследников, позже поэт его выкупил и не расставался с ним до конца жизни.



Ставассер П.А. «Сатир и нимфа»

www.msk-guide.ru
/page_21421.htm


еще фотографии →



Зал 8

Принято считать, что впервые нимфы были описаны древнегреческим поэтом Гомером в «Одиссее». Позже эти божественные существа становятся персонажами произведений литературы и искусства. Мраморная группа «Сатир и нимфа» создана русским скульптором Петром Андреевичем Ставассером в 40-х годах XIX века. Скульптурная композиция, находящаяся в Третьяковской галерее, признана лучшей работой мастера.

Сатиры – это существа, живущие в лесу, как правило, это полулюди-полукозлы. Часто мифы о них связаны с богом веселья и виноделия Дионисом. В греческих и римских легендах сатиры представлены шутами и пьяницами, обманщиками и развратниками. В христианских мифах сатиры ассоциируются с дьяволами.

Согласно мифологии, нимфы – это женские природные божества, как правило, появившиеся на свет от союза богов со смертными. Они, как и сатиры, живут на природе, олицетворяют ее, их дом – горы и леса, реки и поля. Это юные полуобнаженные или обнаженные красавицы, они поют песни и танцуют, ходят на охоту, веселятся с Дионисом и ведут постоянную борьбу с назойливыми сатирами.

Петр Ставассер изобразил Нимфу и влюбленного в неё сатира. Лукавый проказник завладел сандалией Нимфы и пытается ее одеть на ножку красавицы, прикоснувшись к ее божественному бедру. Сатир горит страстью, и это чувство, возможно, начинает волновать еще невинную девушку. Замечательные строки к этой работе написал Афанасий Фет. Обращаясь к нимфе, он пишет:

... Смотри, как, голову откинувши назад,

Глядит он на тебя и пьет твой аромат,

Как дышат негою его уста и взоры!..

В то же время Фет подмечает, что героиня хотя и взволнованна, но мысли её чисты, а улыбка надменна.

Скульптурная группа Ставассера «Сатир и нимфа» отличатся изяществом и пластичностью, великолепной постановкой фигуры, прекрасной грацией и благородством. С мраморной скульптуры была выполнена бронзовая копия, которую установили в Колонистском парке Петергофа. В 1875 году ее перенесли в бассейн у основания фонтана «Шахматная гора». Здесь она простояла до 1941 года. К сожалению, во время войны композиция была похищена немцами и следы ее утеряны.



Щедрин С.Ф. «Большая гавань на острове Капри»

www.msk-guide.ru
/page_21422.htm


Зал 8.

Большую часть работ Сильвестра Щедрина составляют пейзажи Италии. В этих работах нет драм и конфликтов, они полны гармонии, солнца и света. Картина «Большая гавань на острове Капри» написана Сильвестром Щедриным в 1827-1828 годах, в период расцвета творческих сил художника. На полотне отображена уникальная красота южной природы и необычайно правдиво показаны сцены быта простых итальянцев.

Общий фон картины выполнен в холодных цветах. Щедрин не любил бурное море, называл его неопрятным и всегда предпочитал спокойную и тихую водную гладь. На картине «Большая гавань на острове Капри» мы видим лазурное, слегка взволнованное море с серебристой каемкой волн. На солнце море голубовато-зеленое, а в тени его поверхность жемчужно-серая. Лодки и парусники слегка покачиваются на водной глади.

Влажный воздух окутал горы и дали. Яркий блеск южного солнца отражается в песке, стенах домов и на зелени прибрежных холмов. Небо почти полностью безоблачно. Лишь небольшая тучка пытается пробиться над скалой, но она, конечно, не испортит тёплый солнечный день. Все детали сюжета – лодки и парусники, скалы и деревья гармонически объединены в единое целое.

Люди на картине Щедрина изображены не схематично, они тщательно выписаны - это дети и взрослые, рыбаки и торговки. Все они заняты своим делом. Женщины присели отдохнуть, кто-то решил перекусить, рыбаки приводят в порядок сети. Люди не просто оживляют природный ландшафт, они органически объединены с природой. Эту картину можно назвать олицетворением гармонии природных стихий – неба, моря и человеческого бытия.

О Сильвестре Щедрине

Природа наделила Сильвестра Щедрина ярким и незаурядным талантом. Во время учебы в Петербургской Академии художеств за блестяще выполненные работы он был награжден многими наградами, в том числе Большой золотой медалью.

Первые работа художника были посвящены городским пейзажам Петербурга. Во время пенсионерской поездки в Италию первоначально он писал пейзажи городов - Рима и Неаполя. В 1825-1827 годах в творчестве Сильвестра Щедрина стали преобладать природные пейзажи, а излюбленным мотивом художника становится спокойное море и голубое небо, гавани и бухты, гроты и террасы.

Сильвестр Щедрин умер в Сорренто, не дожив три месяца до своего 40-летия. Из 108 известных работ художника 47 – пейзажи этого удивительно красивого места.

Италия для художника была счастливой землей, полной красоты, покоя и тепла. Он написал несколько работ с видами Капри, ставших предметом внимания коллекционеров и любителей изящных искусств. Картина «Большая гавань на острове Капри» - одна из самых знаменитых работ выдающегося русского художника-пейзажиста.



Брюллов К. П. «Всадница»

www.msk-guide.ru
/page_21385.htm


еще фотографии →



Зал 9.

Картина «Всадница» была написана Карлом Брюлловым в 1832 году в Италии, когда художнику было всего 33 года. После выставки в Милане, где она была представлена, о Брюллове стали говорить, как о гениальном живописце. Полотно было выполнено по заказу графини Юлии Самойловой, одной из самых богатых женщин России и верной подруги художника.

Карл Брюллов встретился с красавицей Юлией Самойловой в 1930 году. Именно она воодушевила художника написать два самых известных его полотна – «Последний день Помпеи» и «Всадница». Он не посылал ей писем со страстными любовными объяснениями, признанием в любви стали его работы - на многих из них было запечатлено лицо графини.

Карла Брюллова и Юлию можно было бы назвать идеальной парой, но обстоятельства препятствовали соединению их судеб.

На картине «Всадница» мы видим приемных дочерей Юлии Самойловой, двух сестер - Амалиции Пачини и Джованины. Вся картина пронизана движением – разгоряченный вороной конь не желает остановиться, собака с лаем встречает вернувшуюся с прогулки Джованину. Девушка одета очень модно, на ней красивое платье и шляпа с развевающейся на ветру вуалью. Она уверенно держится в седле, ее лицо спокойно, осанка горделива.

Нельзя не восхититься чудесной девочкой Амалицией, выбежавшей на крыльцо встретить свою сестру. На ее лице – восторг, обожание и переживание за наездницу. Именно живые чувства ребенка умеряют холодность портрета Джованины и придают картине непосредственность и человечность.

Карл Брюллов мастерски передал оживленность персонажей. Лишь наездница совершенно спокойна, словно ее не волнует происходящее, а мысли где-то далеко-далеко.

Картина Карла Брюллова «Наездница» более 40 лет хранилась у Юлии Самойловой. Лишь после того, как графиня окончательно разорилась, она вынуждена была ее продать, а в конце XIX века полотно приобрел Павел Третьяков.



Иванов А.А. «Явление Христа народу»

www.msk-guide.ru
/page_21370.htm


еще фотографии →



Зал 10.

Картина Александра Иванова «Явление Христа народу» удивляет своей масштабностью. Ее размеры составляют 540 на 750 см, площадь – более 40 кв. метров, а создавал художник её 20 лет. Это главная работа живописца, его жизненный подвиг, но как это часто случается, гениальность мастера была признана только после его смерти.

Александр Иванов работал над полотном в Италии с 1837 по 1857 год. Здесь картина имела большой успех, а в России, где она была представлена в 1858 году была встречена холодно. Только прогрессивная часть публики увидела в ней величайший пример совершенно нового приема в живописи.

Обещанный гонорар художнику выплачен не был, и для талантливого мастера начались дни разочарования и отчаяния. К сожалению, вскоре после приезда в Россию он умер от холеры в семье братьев Боткиных. Это породило многочисленные домыслы, поскольку Михаил Петрович Боткин был коллекционером, художником и, по сути, распорядителем наследия живописца.

«Явление Христа народу» - краткое описание

Александр Иванов обращается к одному из самых главных сюжетов Нового завета - явлению Христа народу. Приход Спасителя он рассматривал как реальное историческое событие, основное содержание которого - духовный переворот и начало нравственного возрождения народа.

Действие происходит в низовьях реки Иордан, где Иоанн Креститель (Иоанн Предтеча, предшественник Иисуса Христа) совершал ритуал омовения всех людей, покаявшихся в своих грехах.

Креститель

Фигура Крестителя занимает главное место на знаменитом полотне. Иванов изобразил его высоким худым юношей с ниспадающими до плеч волосами. Его фигура и западшие глаза говорят о долгих днях одиночества и страданиях, а высокий лоб и уверенный жест - о внутренней силе.

Иоанн в руке держит крест – символ новой веры и указывает собравшимся на пришедшего Христа. На его лице - трепет и восторг, выдающие радость от долгожданного момента.

Иудеи, пришедшие к водам Священной реки

Среди пришедших к реке есть те, кто пожелал очиститься от грехов и принять крещение. Другая часть людей пока не доверяет Предтечи, также пришли и те, кто настроен враждебно, на их лицах – злость и ненависть.

Слева от Крестителя апостолы – седовласый Андрей и рыжеволосый юноша Иоанн Богослов, которые станут учениками Христа и расскажут о его земной жизни после Воскрешения. Рядом с ними (у края картины) – сомневающиеся и еще не верящие в произошедшее чудо. Один из них, молодой мужчина в голубом плаще, опустил глаза, справа от него седовласый старец.

Раздетые персонажи - это иудеи, совершившие омовение и принявшие крещение. Они с любопытством смотрят на Иоанна. Обратите внимание на мальчика и его отца в правой части картины, которые с трепетом и умилением слушают Крестителя и выражают желание принять новую веру. Левее - юноша-раб в голубом платье, подающий одежду своему господину. На его лице - отчаяние и надежда, чувство безнадежности и радости.

Выше изображена группа людей, вероятно, это еврейские священники, настроенные против нового учения. Их лица выражают равнодушие и недовольство. Особенно характерна поза и выражение лица мужчины в белом одеянии, нарисованного в профиль.

Обратите внимание на мужчину темно-бордовой накидке. Он был написан с Николая Гоголя, лучшего друга художника.

Фигура Иисуса Христа

Иванов делает акцент не на фигуре Иисуса Христа, пришедшего для избавления человечества от грехов, а на реакции людей на это явление. У каждого из них это важное событие вызывает самые разные чувства и переживания. Именно поэтому трудно разглядеть лицо Спасителя, оно как бы в дымке. Но мы видим его величие и таинственность, радость и спокойствие. И эта задумка автора также объяснима – в то время само христианство иудеям представлялось возвышенным, почти загадочным и не совсем понятным.

Публика не сразу поняла глубокий смысл картины, поскольку в большинстве произведений искусства она привыкла видеть сюжеты на тему героизма, а в картине Явление Христа народу не было ни эффектов, ни блеска. Живописец представил реальных людей с их подлинными эмоциями. Картина Явление Христа народу опередила свое время и лишь потомки сумели оценить ее величие и гениальность автора.



Тропинин В.А. «Кружевница»

www.msk-guide.ru
/page_21371.htm


еще фотографии →



Зал 13.

На полотне Василия Тропинина мы видим красивую девушку, с удовольствием плетущую кружева. Она лишь на секунду оторвалась от любимой работы, встретилась с вами взглядом и сейчас вновь продолжит плести ажурные узоры.

По одежде и отсутствию украшений можно судить, что Тропинин изобразил не дворянку, а скорее всего, простую крепостную рукодельницу, работающую в помещичьей мастерской. Лицо девушки не только красиво, оно излучает нежность и радость. По ее взгляду видно, что она умна и приветлива, честна и открыта. О таком изысканном образе мечтала бы любая дворянка.

Согласитесь, что руки Кружевницы очень нежны, а движения грациозны. Возможно художник немного идеализировал образ крестьянки. Вместе с тем, он с потрясающим мастерством показал ее душу и характер, подчеркивая, что работа не портит рукодельницу, а делает еще более красивой.

Картина Кружевница стала известной благодаря счастливому стечению обстоятельств.

Василий Тропинин был крепостным крестьянином. Еще в юности его хозяин граф Морков, заметив его отличные способности к рисованию, отправил его на учебу в Санкт-Петербург, в школу рисунка и живописи художника Степана Щукина. Не дав Василию доучиться, граф вернул его и направил в свое новое имение, где поручил выполнять обязанности лакея и пастуха, архитектора и художника. Тропинин много рисует и сам совершенствует свой талант.

На пасху в 1823 году он получил подарок - вольную и тут же отправился в Санкт-Петербург, в Академию художеств, где представил несколько работ, в том числе и одну из последних - Кружевницу. Комиссия дала картине высокую оценку, публика также встретила полотно с восторгом. Художник получил звание академика живописи.

Картина «Кружевница» Василия Тропинина – это не просто портрет, художник создал новое по стилю живописное произведение, воспевающее человека труда и радость повседневной жизни.



Тропинин В.А. «Портрет сына художника»

www.msk-guide.ru
/page_21372.htm


еще фотографии →



Зал 13.

Среди работ Василия Тропинина можно увидеть немало картин с изображением детей. Особое место среди них занимает портрет сына художника, написанный в 1818 году, когда Арсению было девять лет. Это было не заказное полотно, а работа, выполненная в состоянии необычного творческого озарения. В своем порыве художник изливает свою душу, показывая светлое призвание человека и силу его личности.

Действительно, работа восхищает гармонией и необычной теплотой, отцовской нежностью и стремлением передать внутренний мир сына. Мастер сумел показать одухотворенность и доверие юной личности.

С любовью выписаны все детали. Лицо Арсения освещено лучами света, кудри чуть взъерошены, а взгляд задумчив и серьезен. Темные, выразительные глаза смотрят куда-то вдаль, кажется, его отвлекли от любимого занятия и он послушно позирует отцу.

Картина «Портрет сына художника» была написана, когда Василий Тропинин был признанным художником и в то же время оставался крепостным графа Моркова, что тяготило и унижало живописца. Мечтая о творческой свободе, он думал также и о вольной сына. Возможно, рисуя Арсения, он открывает смотрящим и свой душевный мир.

Василий Тропинин получил вольную в 1823 году, когда ему было 47 лет, а его сын - через пять лет в возрасте 20 лет. Арсений также занимался живописью, но известным художником не стал.

Картина В.А. Тропинина «Портрет сына художника» признана одной из лучших в его творчестве.



Венецианов А.Г. «На пашне. Весна»

www.msk-guide.ru
/page_21408.htm


еще фотографии →



Зал 14.

Алексей Венецианов - великолепный мастер жанровых сцен из крестьянской жизни. Одна из лучших и самая загадочная его работа - «На пашне. Весна», написанная в 1820-х годах.

На картине мы видим статную крестьянку в нарядном сарафане, ведущую двух лошадей, которые боронят поле. Краем глаза она присматривает за ребенком, сидящим на его краю.

Сюжет картины достаточно прост, но художник написал вовсе не портрет крестьянки и не бытовую сцену, а аллегорию весны. Молодая женщина не идет, а словно парит над полем. Это аллегория богини цветов Флоры, а ее ребенок – аллегория амура и символ начала жизни.

Молодые зёленые деревца рядом с сухим пнем символизируют возрождение природы. Цикличность всего, что происходит в жизни, подтверждает изображение второй крестьянки слева на втором плане, а также еле заметной фигуры третьей женщины справа, у линии горизонта.

В основе его произведения - гармоничное соединение правды жизни и романтичного вымысла:

  • Обратите внимание, что одежда крестьянки слишком нарядна для труда на поле. Но на Руси первая пахота всегда была торжественным событием
  • Если посмотреть внимательно, вы заметите, что фигура женщины выглядит крупнее, чем лошади. Да и они больше похожи на героев древнегреческой мифологии Пегасов, чем на худых крестьянских лошадей
  • Величие фигуры крестьянки достигнута с помощью заниженной линии горизонта. Такой прием часто применяется при написании икон и полотен с изображением божества.

Венецианов создал не фотографическое изображение сцены крестьянской жизни, а само бытиё в его вечных, вневременных проявлениях. Автор, по праву, считается крестьянским художником, певцом жизни простого человека.

Искусствоведы полагают, что в начале 1820-х годов Алексей Венецианов задумал создать четыре полотна на тему «Времена года». Три из них, «На пашне. Весна», «На жатве. Лето» и «Сенокос» хранятся в Третьяковской галерее. Предположительно, четвёртой картиной было бесследно пропавшее полотно под названием «Пейзаж. Зима». Возможно, оно находится в частной коллекции и когда-нибудь всплывет на торгах или выставке и мы сможем его увидеть.



Федотов П.А. «Сватовство Майора»

www.msk-guide.ru
/page_21373.htm


еще фотографии →



Зал 15.

Картина Павла Андреевича Федотова «Сватовство Майора» произвела настоящий фурор в обществе. На нее приходили смотреть по нескольку раз, о ней много говорили, ее персонажи вызывали хохот, а художнику она принесла известность и звание академика художеств.

Чем же был вызван такой интерес и искренний смех зрителей? От воспевания красоты и благородства дворян общество устало, картины на бытовые темы и раньше выставлялись, но все они были посвящены жизни крестьян. Бытовые сцены жизни купечества до Федотова не попадали на полотна, а таких, что были написаны с юмором и иронией, и вовсе не было.

Содержание картины «Сватовство Майора» было хорошо понятно зрителю. Браки, где одна сторона получала титул и звание, а другая – деньги, были очень распространены в России, поэтому и персонажи картины стали хорошо узнаваемы.

Интересно, что художник обладал даром поэзии и писал стихи. Так и к «Сватовству майора» он сочинил оригинальный авторский комментарий, описывающий персонажей и детали картины.

  • В центре картины Сватовство Майора - невеста, разодетая в пышное бальное платье, пытающаяся убежать в другую комнату. Но это отнюдь не искреннее смущение от встречи с женихом, а лишь жеманство и демонстрация девичьей скромности, которую ей хочется показать.
  • Посмотрите на хозяйку дома - она не дает дочке уйти, схватив ее за платье. Весь ее властный вид говорит о том, что именно ее слово – главное в семье. Отец невесты скромно стоит у двери и торопливо застегивает сюртук.
  • Сваха указывает на жениха, на лице которого ни тени волнения, видимо, он уверен в исходе приема и уже подсчитывает всю выгоду от этой сделки.

Кухарка, приготовившая кулебяку, приживалка и помощник купца – без них не мог существовать купеческий дом, а картина утратила бы свою колоритность.

Павел Федотов строит картину на контрастах. Здесь все персонажи в движении и готовятся к сватовству майора, лишь кошка равнодушна ко всему. Автор сумел увидеть и показать нам в обычной бытовой сцене фальшь и ложный блеск происходящего. Однако, он не презирает своих героев, а относится к ним, как детям, сочувственно и с пониманием. Написав «Сватовство майора» Павел Тропинин сталь первооткрывателем нового жанра в живописи – критического реализма.



Федотов П.А. «Свежий кавалер»

www.msk-guide.ru
/page_21375.htm


еще фотографии →



Зал 15.

Работа Павла Андреевича Федотова «Свежий кавалер» - это первое в русской живописи произведение бытового жанра. Написав в 1847 году это небольшую сатирическую картину, художник проснулся знаменитым. В 1840-х годах мода на пышные исторические композиции постепенно проходит и формируется тренд на критику жизни, а картина Федотова с юмором, но правдиво отразила реальный быт мелкого чиновника.

С первого взгляда смысл картины «Свежий кавалер» ускользает от нас. Кто он герой в позе античного оратора? Кавалер ордена или кавалер кухарки? А слово «свежий» также можно объяснить двояко. Другое название полотна «Утро чиновника, получившего первый крестик» проясняет сюжет представленной сцены.

В центре картины среди всеобщего хаоса в величественной позе римского императора стоит чиновник. Накануне он получил награду и вот с утра, нацепив орден на халат, спешит поделиться радостью от заслуги с кухаркой. Это его триумф, он весь в мечтах, думая, что вскоре станет, конечно, городничим, а может и губернатором. С явной симпатией художник изобразил кухарку – опрятно одетая с простым приятным лицом она выражает снисхождение и насмешку главному герою.

Накануне была попойка и было весело, а вот и второй чиновник-городовой, он просыпается под столом на заднем плане.

Почему же нельзя удержаться от улыбки, глядя на эту сцену? Причина ее - контрастность между реальностью и мечтами героя.

Халат героя похож на римскую тогу, но он не свеж и поношен, кухарка, скорее всего не своя, а хозяйская показывает начищенные, но дырявые сапоги. Орден Святого Станислава - самый младший по старшинству в иерархии государственных наград, И, конечно, величие «Цезаря» никак не вяжется со смешными папильотками на голове (вместо лаврового венца) и чудовищным беспорядком в каморке. Вокруг остатки вчерашнего пира, бутылки и разбитая посуда, колбаса на газете и гитара с оборванными струнами

Некоторые критики считали, что главный персонаж уж слишком утрирован и воплощает все недостатки бюрократической России. Однако, в жизни чиновничье чванство и хвастовство были значительно опаснее, чем на картине. Так, один из цензоров на полном серьезе предлагал художнику замалевать орден. Вместе с тем, картина П.А. Федотова «Свежий кавалер» не содержит жестокого облечения и злого сарказма, мы видим лишь мягкий юмор и иронию мастера.



Сорокин Е.С. «Развал»

www.msk-guide.ru
/page_21384.htm


еще фотографии →



Зал 15.

Картина Евграфа Сорокина «Развал» переносит нас в XIX век на один из рынков Москвы. В это время в России, как и по всей Европе, появились развалы с «неновыми» вещами, так называемые толкучие, или блошиные рынки.

Солнце, пробившееся сквозь облака, осветило часть развала и мы видим самые разные предметы, принесенные для продажи – портреты императорской четы и дуги для упряжки, бочки и ведра, статуэтки животных и бюсты поэтов Ивана Крылова и Александра Пушкина.

Среди ценных вещей продается всякий хлам, а в сердце развала — цельный церковный иконостас, тоже выставленный на продажу. В числе покупателей можно заметить священников. Развал находится близ церкви, тщательно выписанной на заднем плане. Согласитесь, что смотрится все это дико, нелепо и безбожно.

Евграф Соколов был мастером религиозной и исторической живописи. Возможно, поместив иконостас в центр развала, он пытался показать, что народ постепенно отходит от бога.

Для справки: церковь, изображенная Евграфом Соколовым на картине «Развал», – это храм Спаса Преображения Господня на Песках, а торговля идет на Рыночной, ныне Смоленской площади. Рынок находился здесь долгие годы и был закрыт при Советской власти в 1920 году.



Врубель М.А. «Демон сидящий»

www.msk-guide.ru
/page_21406.htm


еще фотографии →



Зал 33.

В 1891 году, к 50-летию со дня смерти Михаила Лермонтова, был издан двухтомник сочинений поэта с иллюстрациями лучших художников того времени. В юбилейное издание вошли также работы Михаила Врубеля, это были иллюстрации, выполненные черной акварелью к поэме «Демон». В это же время художник написал картину «Демон сидячий», ставшую первой и самой известной картиной, посвященной герою поэмы Лермонтова.

Над «Демоном» Михаил Лермонтов работал десять лет. Написанное в 1839 году произведение не допускалось к печати цензурой и впервые было издано только в 1860 году.

Вспомним поэму. Печальный Демон пролетает над прекрасными горами и реками Кавказа. Но ничто его не привлекает, ему скучно, надоела даже безграничная власть над землей. И вдруг он увидел приготовление к свадьбе дочери грузинского князя Гудала. В отчем доме, в ожидании свадьбы прекрасная девушка Тамара исполняет танец с бубном. Она любит жениха и поэтому счастлива, гости любуются ей.

Демон вновь возвращается к поместью Гудала и тоже любуется красавицей Тамарой. В его душе зарождаются чувства, он не может допустить свадьбу и поступает, как злой тиран. Демон напускает на жениха разбойников. Отняв все свадебные подарки, они ранят, а затем и убивают возлюбленного княжны.

Тамара оплакивает любимого, она не может заснуть, но чей-то ласковый голос успокаивает ее. Каждый вечер красивый «пришелец» прилетает к ней на крыльях. Девушка понимает, что это не ангел, а, скорее, злой дух и просит отца отдать ее в монастырь.

Но и здесь ее преследует этот приятный голос и те же глаза неземного гостя. Княжна влюбляется и молится ему. Однако, Демон знает, что близость смертной девушки с неземным существом приведет ее к гибели. Он пытается воспротивиться своим чувствам, но его крыло не поднимается и он остается с княжной. Демон воплощается в прекрасного мужественного крылатого юношу, клянется в любви, в том, что не обманет Тамару.

Вскоре сторож, проходя мимо кельи монахини, он услышал необычные звуки нежности и любви, а затем - стон и предсмертный крик Тамары.

Отец похоронил Тамару высоко в горах, где стоит небольшой храм, куда добраться не может ни один человек.

Демон на картине Врубеля изображен на фоне гор и алого заката. Мы видим прекрасного, но одинокого юношу. Он сидит в окружении цветов, но в цветах нет жизни, они, словно застывшие кристаллы, а облака выглядят каменными. Демон печален, а его сжатые руки говорят о сомнениях и переживаниях, он спокоен, но в тоже время это властный и сильный духом юноша.

Его душа мечется в поисках смысла жизни, но на его вопросы нет ответа ни на земле, ни на небе. Демон Врубеля – это не абсолютное зло, а существо страдающее. Он способен любоваться природой и сочувствовать Тамаре, потерявшей жениха, и в то же время убить ее поцелуем.

Картина Михаила Врубеля «Демон сидящий» создана в 1890 году. Позже в 1899 году он написал «Демона летящего». В отличие от неподвижного персонажа первого полотна, здесь владыка мира изображен в потоке воздуха, в свободном полете. Работа «Демон поверженный», написанная в 1901-1902 году, наполнена хаосом падения. На полотне мы видим героя с отчаянно раскинутыми руками и бессильными, сломанными крыльями. Эту картину он исправлял даже во время представления ее на выставке на глазах изумленной публики. Демон высосал у художника все силы и опустошил его душу. Судьба художника трагична – смерть малолетнего сына, безумие и слепота.



Поленов В.Д. «Московский дворик»

www.msk-guide.ru
/page_21407.htm


Зал 35.

Картина Василия Поленова «Московский дворик» - самая известная работа художника. Всё на этом полотне дышит правдой жизни. Оно наполнено светом, летним воздухом и ощущением радости и счастья. Василий Поленов сумел передать что-то очень существенное, близкое душе и художника, и зрителя. Именно поэтому это любимая многими поколениями россиян картина.

На холсте представлен обычный уголок старой Москвы недалеко от Арбата. Этот московский дворик увидел автор из окна своей квартиры на углу Дурновского и Трубниковского переулков, где он поселился в 1877 году после переезда из Петербурга в Москву.

Начало лета, утро солнечного дня. Среди старых построек, словно зеленый ковер, раскинулась лужайка. Дети радуются нежной травке, цветам и ласковым лучам солнца. Светловолосая девочка, видимо, сорвала ромашку и перебирает ее лепестки, двое других малышей увлечены игрой с кошкой и никто не обращает внимания на плачущую малышку. Впрочем, ее крик ничуть не нарушает спокойное мажорное настроение летнего утра.

Женщина, чуть согнувшись под тяжестью ведра, спешит накормить кур с цыплятами. Лошадь, запряженная в телегу, мирно щиплет травку и ждет своего хозяина. На заднем плане полотна - знакомая многим москвичам Церковь Спаса на Песках (ныне существующий храм Преображения Господня на Арбате) и церковь Николы в Плотниках (разрушена в 1932 году).

Вся картина пронизана чистыми и свежими тонами. На полотне нет угрюмых серых красок, и даже крыши имеют светло-голубые с зелёные оттенки. Так автор выполнил плавный переход от зеленых тонов травы к яркой синеве неба с плывущими по нему легкими облаками. С каким чарующим мастерством художником написан воздух! Он, словно тает в солнечных лучах и мы ощущаем его неуловимое движение.

Картина Василия Поленова «Московский дворик» напоминает нам о чём-то близком и родном, что с детства наполняет нашу душу. Глядя на полотно, мы чувствуем покой, умиротворённость и радость повседневной жизни. Всю свою нежность и любовь вложил Поленов в эту работу, придав обыденному пейзажу лиричность и очарование.



Киселёв А.А. «Старый Сурамский перевал»

www.msk-guide.ru
/page_21409.htm


еще фотографии →



Зал 36.

Александр Киселёв – выдающийся мастер пейзажной живописи второй половины XIX века. Художник много путешествовал, жил в Подмосковье, бывал в Малороссии, объездил Крым и Кавказ.  Картина «Старый Сурамский перевал», написанная в 1891 году, переносит зрителя на территорию нынешней Грузии, к горному Лихскому (Сурамскому) хребту, соединяющему Большой Кавказ с Малым.

В средней части Лихского хребта на высоте чуть менее километра расположен Сурамский перевал, по которому во времена Российской империи проходила дорога из Кутаисской губернии в Тифлисскую.

Художником мастерски переданы мощь и величие Кавказских гор. В отличие от многих других его полотен на холсте размером 130,9 на 214 см преобладают серые, голубые и темно-зеленые тона. Здесь нет ярких красок, так характерных для большинства светлых и радостных пейзажей Киселёва.

Серые облака окутывают макушки гор, деревья и проходящую здесь дорогу. На картине мы видим седой и величавый Кавказ, о котором немало поэтичных строк сложил Михаил Лермонтов. За облаками – светлеющее, нежно-розового цвета небо, что вселяет в нас радость и надежду.

На картине «Старый Сурамский перевал» Александр Киселёв искусно изображает все тонкости воздушной перспективы. Мы чувствуем движение облаков и воздуха, насыщенного влагой. Художник любил работать на Кавказе. Здесь им были написаны также картины «Горный пейзаж.  Вершины Эльбруса» и «Кавказские вершины».



Левитан И.И. «Над вечным покоем»

www.msk-guide.ru
/page_21410.htm


еще фотографии →



Зал 37.

Исаак Левитан был непревзойденным мастером пейзажа. Его картина «Над вечным покоем», созданная в 1893-1894 годах, с огромной силой передает зрителю поэзию ненастного дня.

Полотно написано в окрестностях Твери, на берегу озера Удомля, а церковь взята с этюда «Деревянная церковь в Плёсе при последних лучах солнца». Этот небольшой деревянный храм Петра и Павла, находившийся на высоком берегу Волги, сгорел во время пожара в 1903 году. На его месте в 1982 году была установлена церковь Воскресенья Христова, построенная в том же стиле, привезенная из села Билюково Ивановской области.

На высоком откосе мы видим ветхую церквушку, небольшую рощу и погост с забытыми могилами. От сильного ветра прогнулись березы, тяжелые тучи висят над землей, вот-вот разразится гроза и хлынет дождь.

Сгнившие кресты на заброшенном кладбище покосились. Извилистая тропинка символизирует забвение и заброшенность. Кажется, что даже пустынный остров, бессильный перед страшной силой, уплывает вдаль. И лишь теплый свет в полусгнившем оконце церквушки противостоит этой мощной стихии.

Вода и грозное небо поглощают нас и заставляют задуматься о вечности и стремительности жизни. Мы понимаем, что наша жизнь, по сравнению с вечностью, - это лишь песчинка, как «капля дождя, что на землю прольётся».

Бесконечные дали ненастья, человеческая тоска и печаль пронизывают полотно живописца. Картина Левитана «Над вечным покоем» - это не просто изображение хмурого непогожего дня, это пейзаж с философскими мыслями о жизни и смерти, с размышлениями о вечности мира, о смысле жизни и ее быстротечности.



Левитан И.И. «После дождя. Плёс»

www.msk-guide.ru
/page_21411.htm


Зал 37.

Три года подряд (с 1888 по 1890) Исаак Левитан приезжал на лето в Плёс. Волжские берега и живописные виды маленького городка вдохновляли художника. В 1889 году он написал картину «После дождя. Плёс», один из самых удивительных своих шедевров.

Берег Волги, только что прошел дождь. Воздух напоен влагой и все вокруг дышит свежестью. В центре картины - две баржи и лодки, чуть дальше виден бегущий по воде пароход. Берег пустынен, люди спрятались от дождя и скоро вновь продолжат свою работу.

Как удачно художник изобразил водную гладь – в ее зеркальной поверхности мы видим чуть дрожащее отражение барж, а легкая рябь говорит о небольшом ветерке. Небо светлеет, дышит свободой, оно еще заполнено серебристо-голубыми облаками, но солнце уже пробивается сквозь них, играет лучами на поверхности реки и готово вновь согреть омытую дождем землю.

На картине все гармонично: природа, умытая влагой, дома и церковь с голубыми куполами, сады, окутанные дымкой, лодки и баржи.

Картина Левитана «После дождя. Плёс» запечатлела лишь красоту мгновенья, но как достоверен этот пейзаж. Он кажется нам родным и очень знакомым, как будто мы уже видели это место когда-то в детстве. А сейчас вновь любуемся красотой величавых волжских просторов, ощущаем запах влажного воздуха и чувствуем настроение обновленной природы. Кажется, что через миг мы услышим тихий звон колоколов или негромкий гудок проходящего вдалеке парохода.



Левитан И.И. «Вечерний звон»

www.msk-guide.ru
/page_21412.htm


Зал 37.

Картина Исаака Левитана «Вечерний звон» признана одной из лучших работ художника. Полотно создано в 1892 году, в самый счастливый период его жизни и отражает светлые и возвышенные чувства живописца.

Многие работы великого художника обладают удивительной способностью – их можно слышать. И картина «Вечерний звон» - одна из них.

Пейзаж не выдуман, он написан на берегу любимой художником Волги-матушки, напротив Юрьевца, у стен Кривоозерского монастыря (обитель начала XVII века не сохранилась, попала в зону затопления при строительстве Горьковского водохранилища).

Закат солнца, спокойная водная гладь Волги. На берегу, у переправы, стоят две лодки, в одной из них скучающий паромщик. Люди в третьей лодке отправилась на противоположный берег, чтобы попасть на вечернюю службу. В лучах заходящего солнца мы видим светящиеся купола монастырского храма. Звон колоколов разносится по живописным окрестностям.

Казалось бы обыденный сюжет, но какой глубокий философский замысел вложен в эту картину:

  • Передний план, слегка затемненный сумерками, символизирует мир земной. Вот и узкая тропинка, это путь к миру духовному
  • Река является границей между земным и божественным мирами. Человек должен преодолеть все соблазны и препятствия на пути к духовному возрождению
  • Главным в работе художника является монастырь, написанный на дальнем плане. Он выглядит скромным и в то же время величественным. Всё вокруг обители, и зелень и облака, плывущие над Волгой, освещены солнцем. Тихо, все замерло вокруг и слышен только низкий перезвон колоколов.

Как мастерски написал Левитан небо и реку. В глади воды, как в зеркале, отражаются не только монастырские постройки, но и бело-розовые облака, неспешно плывущие по бледно-голубому небу.

Картина Исаака Левитана «Вечерний звон» имеет глубокий смысл. В ней удивительным образом сочетаются необыкновенная красота русского пейзажа с белокаменными церквями и людьми, спешащими на службу.  Полотно Левитана призывает к духовному возрождению, которое возможно только в гармонии с природой.



Серов В.А. «Девочка с персиками»

www.msk-guide.ru
/page_21413.htm


еще фотографии →



Зал 41.

Картина «Девочка с персиками» - самая известная картина Валентина Серова. Она написана в 1887 году, когда ему было всего 22 года. Позировала художнику 11-летняя девочка Вера, веселая и очаровательная дочь Саввы Мамонтова.

Первоначально работа Серова называлась «Портрет В.М.», (В.М. означало «Верочки Мамонтовой»). Но, в действительности, у автора получился не портрет, а настоящая картина с изображением озорной девчушки, образа весны, света и юности. Именно поэтому «Девочку с персиками знают все. Ведь, увидев картину однажды, спутать ее нельзя ни с каким другим полотном.

Картина написана в доме Саввы Мамонтова в Абрамцево, в столовой, где часто собирались родные и друзья известного мецената.

Кажется, что Вера ненадолго отвлеклась от игры и через минуту вновь убежит к своим друзьям. На девочке самая обыденная блузка с бантом, она несколько великовата ей, но ее нежно-розовый цвет придает праздничность всей картине. Нам кажется, что свет исходит не только от окна, но и от самой героини.

Вот она присела на минутку за стол и машинально взяла в руку персик. Взгляд у Веры лукавый, в темных, как смородины, глазах – огонек. А через мгновенье она, наверняка, улыбнется, вспорхнет и убежит на улицу, где ее ждет летний день.

Кожа у девочки по-детски нежная, персиковая, а белоснежная скатерть подчеркивает чистоту и нежность героини.

За окном виден парк с аллеей, где часто прогуливался писатель Николай Гоголь, приезжавший в Абрамцево в гости к Мамонтовым. Листва в саду уже пожелтела, что говорит о терпении Веры (полотно создавалось почти три месяца). Три кленовых листа рядом с персиками напоминают нам о том, что жизнь быстротечна, и надо уметь радоваться, пока ты юн и светит солнце.

Обратите внимание на то, с какой точностью написаны все предметы столовой: стулья из красного дерева, фарфоровая тарелка на стене (Савва Иванович увлекался прикладным искусством), серебряный нож на столе и игрушечный солдатик, расписанный Серовым (он виден за спиной Веры).

«Девочка с персиками» принесла Валентину Серову известность. Ему удалось создать образ, наполненный красотой и свежестью, обаянием и теплотой. Вера вышла замуж по любви, родила двух мальчиков и девочку. В 32 года жизнь ее трагически оборвалась, она умерла от пневмонии. Ее супруг Александр Самарин в память о супруге в деревне Аверкиево, где находилась его усадьба, возвел храм Живоначальной Троицы. Жизнь Александра Самарина также закончилась трагично – он был репрессирован и погиб в Гулаге в 1932 году.



Коровин К.А. «Северная идиллия»

www.msk-guide.ru
/page_21414.htm


еще фотографии →



Зал 43.

Константина Коровина называют одним из самых жизнерадостных русских художников. Яркие, сочные цвета и некоторая условность деталей характерны для многих его полотен. Одна из самых красочных и выразительных его работ - картина «Северная идиллия», написанная в 1886 году.

Северный край, небо затянуто облаками. Белая ночь, в небе, уже виден месяц. Он, словно сказочный рожок, слегка осветил небо и серо-голубые тающие облака.

На полянке, среди густой травы, лежит молодой пастушок. Он играет на свирели, а три девушки, одетые в красные сарафаны, стоя перед ним и покачиваясь в такт любимой мелодии, напевают песню. Кажется, что даже природа замерла и тоже прислушивается к нежной мелодии.

Для передачи радостного настроения Коровин выбирает сочные цвета. Большую часть полотна занимает яркий ковер травы и низкорослые северные деревья. На этом зеленом фоне – красные платья девушек с цветастой отделкой и народным орнаментом. Сочетание любимых в народе цветов - красного, зеленого и белого, подчеркивают неразрывную связь чувства красоты и русской природы. Эти радостные оттенки придают картине декоративно-фольклорное направление.

Мы видим, как дороги́ автору эти леса и поля, безбрежность русских просторов. Именно их не хватало художнику в конце жизни, когда он уехал в Париж и потерял Россию, источник своего вдохновения.

Интересно, что картина «Северная идиллия» написана Константином Коровиным не с натуры. Ее замысел возник у художника при создании декораций к спектаклям на фольклорную тему для театра в Абрамцево. А побывал Коровин на «Дальнем Севере» значительно позже, в 1894 году, когда месте со своим другом Валентином Серовым, отправился в двухмесячное путешествие, во время которого написал с натуры немало известных работ.



Кустодиев Б.М. «Масленица»

www.msk-guide.ru
/page_21415.htm


еще фотографии →



Зал 44.

Мир Бориса Кустодиева – это мир солнца, русской жизни, русского быта и русской души, а любимая тема в творчестве художника – народные праздники. В 1916 году Борис Кустодиев написал картину «Масленица», посвященную этой веселой, шумной и хлебосольной неделе перед Великим постом.

Масленица – это еще и проводы холодов, стужи и встреча весны, праздник, заканчивающийся сжиганием соломенного чучела, символа зимы.

На картине мы видим один из подмосковных городов в праздничный день. Происходящее представлено с высокой точки, холма - так мастеру удается показать одновременно красоту зимнего пейзажа и широкую панораму народного праздника.

День подходит к концу и солнце почти у горизонта. Небо окрасилось золотисто-розовым цветом (таким оно часто бывает весной). Стая грачей, взметнувшаяся ввысь, с нетерпением ожидает тепла. Храмы и дома еще укрыты снегом, а деревья и кусты, словно в сказке, покрыты инеем.

Люди радуются долгожданной встрече весны. Из сундуков они достали цветастые платки, нарядные шапки и узорчатые варежки. Нарядившись в лучшую одежду, народ веселится. Кто-то спешит на ярмарку, дети резвятся на горках, здесь же карусель и перетягивание каната. А самое главное развлечение взрослых – масленичное катание на санях, с азартом, весельем и с музыкой. Повозки красочно расписаны, возницы одеты в яркие наряды.

В центре картины – нарядные сани с парой лошадей. Кучер в синем кафтане и малиновой папахе. Видимо, идет соревнование, кто быстрее и удалее пронесется по заснеженным холмам. Вот извозчик оглянулся, не догоняют ли его другие сани, лихо поднимающиеся в гору.

Трудно представить, что самые известные свои картины художник писал в трудное время, когда в стране шла война, а сам он был тяжело болен. Кустодиев перенес несколько операций на позвоночник, а после одной из них, ему пришлось возвращаться из Германии поездом в компании с тремя собаками – пуделем, терьером и бульдогом. В то время вагоны не были приспособлены для инвалидов в колясках и приехать на родину он мог только в вагоне для животных. Но и в этом художник нашел положительное – всю дорогу он рисовал собак и говорил: «Хорошо, делай, что хочешь, - никто не мешает!»

Художник мечтал о России без драм и борьбы, без «Грозы» и Кабанихи. Картина Бориса Кустодиева «Масленица» - выражает радость и бодрость, восхищение жизнью и ее поэзией. Можно сказать, что его работы - это наказ каждому из нас - быть оптимистом и любить жизнь.



Рерих Н.К. «Заморские гости»

www.msk-guide.ru
/page_21416.htm


Зал 47.

С самого детства и на протяжении всей своей жизни Николай Рерих интересовался героическим прошлым славянских народов. Его работа «Заморские гости» является частью созданного им цикла картин «Начало Руси. Славяне».

В 1899 году художник отправился в Новгород по великому водному пути, проходившему от Балтийского моря (от варяг) по Неве, Ладожскому озеру и реке Волхов, где находится Великий Новгород. От озера Ильмень путь идет по реке Ловать, затем - переход в Днепр и по нему - в Черное море (в греки).

Путешествие поразило Рериха. Он представил, как в IX веке по этому пути приплыли на славянскую землю варяги, как в 1471 году новгородская рать отправилась в поход к реке Шелонь, где произошла роковая для Новгорода Шелонская битва. Под этими впечатлениями художник решил написать картину о том, как заморские гости плывут к русичам за миром.

Николай Рерих обозначил свое полотно как «народная живопись». Он смело использует яркие краски - синий и красный, зеленый и желтый, которые характерны для народного прикладного творчества и пишет картину, где по синим водам среди зеленых островов бегут расписные варяжские ладьи. Красный цвет парусов и насыщенный голубой цвет реки, ладья с головой дракона и зеленые холмы, - именно такой многокрасочной палитрой художник передает настроение.

Всё на полотне наполнено движением – нос корабля, разрезающий водную гладь, и разноцветные круги под его носом, чайки, кружащие над водой, и паруса, натянутые ветром.

Вся природа, город на холме и люди наполнены внутренней силой и красотой, всё здесь «Русью пахнет». Для картины характерна максимальная простота и продуманность каждой детали, что дает возможность автору показать значение и важность главных образов.

Великолепный мастер живописи, археолог и писатель, философ и путешественник, кроме более 7000 картин, создал 27 тысяч томов литературных произведений. Картина Николая Рериха «Заморские гости» была написана в 1901 году, в Париже. Это полотно можно назвать песней варягам, плывущим с миром к враждующим славянским племенам.